CINEFILIA

Revista de cine

Miguel Albertos

Lesgaicinemad 2016

Escrito por cinefiliacinefilia 29-10-2016 en Festivales. Comentarios (0)

El jueves 28 de octubre se inauguraba la vigésimo primera edición del Lesgaicinemad, uno de los festivales de más arraigo en Madrid sobre el ahora conocido como cine de la diversidad. Allí se pudo ver tras la gala de apertura, “Nunca vas a estar solo”, visión normalizada de un hecho real en Chile donde fue asesinado un joven de una paliza a manos de neonazis, según se dijo en los medios.

En su primer día de proyecciones se ha tenido la oportunidad de revisar un clásico del cine gai en España como el documental “Ocaña, retrato intermitente” de Ventura Pons, de quién se hace una pequeña muestra de su filmografía incluyendo también sus últimos filmes de no ficción y la reciente “El virus del miedo”,  amén de una master class en la Universidad Complutense. Destacamos las siguientes sesiones:

La vanité (AKA: Vanity, 2015) *** SUIZA-FRANCIA. 75 min.

El director Lionel Baier ya estuvo presente en Lesgaicinemad en 2005 con “Garçon stupide”, su ópera prima. Ahora nos presenta esta comedia negra con tres solitarios personajes que viven en el lado salvaje de la vida: un chapero, una viuda española que trabaja en una empresa que lleva a cabo muertes solicitadas y el anciano que ha contratado sus servicios.

Interesante propuesta que el director suizo ejecuta con un toque de cine independiente de los 90 que en ocasiones recuerda al primer Jim Jarmusch, con personajes nada cotidianos pero muy humanos que se comportan llevados por sus más básicos anhelos, aunque también escondan secretos.

Incomprensiblemente se proyecta fuera de la sección oficial esta destacable cinta donde una impagable Carmen Maura maneja una difícil situación en un particular ambiente donde sus protagonistas acaban exponiendo su verdad.

LA ESCENA

La relación de amistad que se establece entre los protagonistas masculinos (Patrick Lapp e Ivan Gregoriev) es de gran ternura con un momento especialmente intenso. Junto a esto, destacar la presencia de las cortinas rojas como portal a un mundo de ensoñación que nos llevan irremediablemente al Lynch más kitsch.


Jesús (2016) *** CHILE. 82 min.

Si antes decíamos que “Nunca vas a estar solo” mostraba la versión oficial de un caso de violencia contra el tercer género, “Jesús” ofrece una mirada totalmente diferente sobre el mismo hecho. Su director Fernando Guzzoni, presente en la proyección, explicó que se había introducido en el mundo del K-pop que frecuentaban los atacantes de la víctima y nos da el punto de vista de estos, que al parecer no eran neonazis.

El filme defiende que la mortal paliza fue más bien fruto de una situación originada más desde la homofobia generalizada que existe en nuestras mentes que desde las ideas de un grupo radical. Con mirada objetiva, a veces la cámara se queda fija en un punto y vemos lo que pasa delante de ella.

Es cierto que esto a veces ralentiza un poco la acción pero las veraces interpretaciones de los jóvenes protagonistas no profesionales traspasan la pantalla de tal manera que consiguen una complicidad máxima con el espectador, a pesar de la dificultad de seguirles por el diálogo, cuya dicción es casi incompresible en ocasiones.

El director ya impactó en 2012, con su anterior “Carne de perro” en el festival de San Sebastián, donde regresó este año con esta cinta provocando similares resultados, debido a la crudeza de sus imágenes y lo que es más, lo descarnado de sus personajes.

LA ESCENA

Precisamente, el personaje del padre nos resulta inquietante y la escena donde echa a su hijo del coche y luego además sale a atacarle, rodada desde dentro del automóvil y con la imagen borrosa tras el parabrisas, nos da un apunte de hasta dónde puede llegar.


Además, también se proyectó el mediometraje español “Marica tú” (en la foto), basado en un cómic homónimo escrito por Julián Almazán con un estilizado dibujo de Alfonso Casas, que ha adaptado a la pantalla el joven Ismael Núñez, con un resultado más bien flojo, sin tener en cuenta en absoluto el lado estético, que tan poderoso es el tebeo.

A esto hay que añadir cortometrajes que se producen  desde la cúpula del propio festival o vídeos virales sobre un tema tan apremiante como la violencia homófoba, tema candente en la propia ciudad de Madrid y donde el Lesgai pone el foco. 


No hagas planes con Maggie

Escrito por cinefiliacinefilia 26-10-2016 en Estrenos. Comentarios (0)

El plan de Maggie (Maggie´s Plan, 2015) *** EEUU. 92 min.

Rebecca Miller, hija del dramaturgo Arthur Miller y esposa del actor Daniel Day-Lewis, empezó en el cine en pequeños papeles de películas de Mike Nichols o Alan J. Pakula a finales de los 80. A mediados de los 90 pasó a dirigir sus propias películas, siendo “Maggie´s Plan” la quinta en su carrera.

Su cine se mueve entre el drama y la comedia, principalmente retratos femeninos escritos por ella misma -incluso ha adaptado novelas propias- dentro de lo que se conoce como cine independiente, siendo habitual en el festival de Sundance. Aunque dejó de actuar cuando tomó la dirección, ha intervenido en la próxima cinta del también independiente Noah Baumbach, “Yeh Din Ka Kissa”.

Precisamente en este autor podemos ver cosas en común con el cine de Miller, ya que estamos en un estilo de dramedy, como “Frances Ha” protagonizada también por Greta Gerwig, con influencias tanto de Woody Allen como de Éric Rohmer.

Travis Fimmel (Warcraft) interpreta al donante de Maggie, Greta Gerwig.

De esta manera “Maggie´s Plan” es una comedia amable donde una treintañera (Greta Gerwig) decide inseminarse pensado que posiblemente no vuelva a encontrar el amor. Sin embargo, Maggie conoce a un escritor casado (Ethan Hawke) que adulado por sus comentarios al leer los capítulos de la novela que está escribiendo pierde interés por su esposa (Julianne Moore) y se enamora de ella.

Un cine donde los protagonistas son adultos, intelectuales y viven en Nueva York, donde las tramas avanzan a través de conversaciones que transcurren en paseos por el parque o en pistas de patinaje o bonitas cafeterías. Un magnífico trío de actores, donde destaca la personalidad de Greta Gerwig, tan peculiar como atractiva.

LA ESCENA

La secuencia Cinefilia es en la que Maggie se está inseminando y llaman a la puerta; escena que tendrá importancia en el desarrollo posterior del filme.

REBECCA MILLER

Directora, guionista, novelista y actriz, pasó su infancia rodeada de artistas -su madre era la fotógrafa Inge Morath- entrando en Yale a los 18 para estudiar pintura y literatura. De ahí pasó a estudiar cine en Nueva York.

Rebecca Miller en “Dobles parejas” de Alan J. Pakula

Interpretó a Chejov en teatro y un texto de su propio padre para una película de televisión, interviniendo también como actriz en películas como “A propósito de Henry” (1991) junto a Harrison Ford, “Dobles parejas” (1992), criminal con Kevin Kline y Kevin Spacey o “La señora Parker y el círculo vicioso” (1994) de Alan Rudolph y un extenso reparto encabezado por Jennifer Jason Leigh, entre otras cintas.

De ahí pasó a la dirección en 1995, iniciando su carrera con “Angela”, sobre una niña que ve al demonio, que obtuvo varios premios en festivales. Siete años después se vuelve a poner tras la cámara en “Intimidades”, retrato de tres mujeres que gana el gran premio del jurado en Sundance.

En 2005 dirige a su marido Daniel Day-Lewis-al que conoció en el rodaje de “El Crisol”, escrita por su progenitor Arthur Miller- en “La balada de Jack y Rose”, sobre un padre y una hija que viven aislados.

Su anterior filme fue una adaptación de una novela suya: “La vida privada de Pipa Lee” (2009), sobre una mujer en la plenitud de la vida que está casada con un editor 30 años mayor y un reparto en el que además de Robin Wright y Alan Arkin como el matrimonio, incluye a Keanu Reeves, Julianne Moore, Winona Rider y Monica Bellucci.


Violencia subjetiva

Escrito por cinefiliacinefilia 21-10-2016 en Estrenos. Comentarios (0)

Hardcore Henry (2015) ** RUSIA-CHINA-EEUU 96 min.

Dos cosas llaman la atención en esta cinta que también se proyectó en Sitges. A ver, este año por ejemplo, ha tenido un line-up de 186 largometrajes. Por un lado está rodada por completo en cámara subjetiva, técnica que ya se utilizó por primera vez durante todo el metraje en el filme noir “La dama del lago” (1947). Película a la que se hace un homenaje a través de un póster, con lo que su director parece que no sólo basa su lenguaje en un videojuego.

Por otro lado está su extrema violencia, casi único argumento ya que se producen posiblemente más muertes que en ninguna otra película, a un ritmo desenfrenado. Su comienzo es muy prometedor, presentándonos a una especie de hombre bionico cual Robocop. Sin embargo la endeble trama se queda en un continuo ir matando todo obstáculo que salga al camino al estilo del más burdo videojuego, ya muy superado.

Aún así, atrapa bastante visualmente sólo perdiendo la atención en algunas ocasiones, lo cual es muy loable. Donde falla es en la descripción de los personajes que no se sabe a veces ni de qué lado están, al igual que el protagonista subjetivo que no puede hablar y solo escucha.

Akan (Danila Kozlovsky) pretende destruir a la humanidad.

Con todo, recibió el premio del público en Toronto, en la sección Locura de medianoche. Y es un experimento fílmico que encontramos incluso raro que se estrene en cines, que podría establecer un antes y un después, aunque no creo.

Se trata de la ópera prima del realizador de videoclips ruso Ilya Naishuler, donde ya experimentó con la cámara subjetiva. Rodada en ruso y en inglés, vemos a actores anglosajones como Haley Bennet (Miedos 3D, La chica del tren) como la esposa y a Tim Roth en un cameo como el padre del protagonista, así como al actor de origen surafricano Sharlto Copley (Distrito 9).

LA ESCENA

El comienzo no es superado en ningún momento cuando la esposa inserta los miembros bionicos en el protagonista que no puede recordar nada.

LA CÁMARA SUBJETIVA

Para que no haya dudas y como su propio nombre indica, la cámara subjetiva es la técnica con la que se sugiere el punto de vista de un personaje concreto. El ángulo de la cámara está a la altura de los ojos. Aunque su uso está recomendado que no se prolongue para no desorientar al espectador, algunos directores decidieron jugar.

“La dama del lago”, primer filme que se arriesgó a usar la cámara subjetiva durante toda la acción.

Parece que el primero en hacer un uso distinto de este tipo de plano podría haber sido el alemán F.W. Murnau en “El último” (1924). Película muda en la que el director de fotografía Karl Freund decidió innovar dotando de movimiento a la cámara, llegándosela a atar al pecho mientras montaba en bicicleta.

En 1927, el francés Abel Gance utilizó muchas técnicas innovadoras en su grandilocuente “Napoleón”, proyectado en múltiples pantallas. Entre ellas la cámara bajo el agua, la cámara en mano y la cámara subjetiva.

Estrenada en 1947, “La senda tenebrosa” de Delmer Daves, aguantaba casi una hora sin desvelar el rostro del protagonista a través de esta misma técnica, descubriendo que no era otro que Humphrey Bogart. Y ese mismo año, como apuntábamos arriba, Robert Montgomery realiza la primera película rodada por entero con el plano subjetivo, “La dama del lago”. Aunque insertó algunos cortes donde el protagonista, el detective Philip Marlowe, se dirige al espectador, además de incluir planos del mismo reflejado en un espejo, con lo que si lográbamos verle la cara.

Hitchcock utilizó la variante del plano subjetivo voyeur en “La ventana indiscreta”

El propio Alfred Hitchcock utilizó este recurso en muchas de sus películas y planos como los del niño de “El resplandor” de Stanley Kubrick son memorables, sin llegar nunca a excederse. Cosa que si que hicieron los directores de “El proyecto de la bruja Blair” a finales del siglo pasado. Solución low cost, la del metraje encontrado rodado en cámara en mano para suplir la falta de presupuesto, que dio buenos resultados al menos en taquilla.

Como un trabajo experimental quedó “El arca rusa” (2002), al contarnos en un único plano de 96 minutos rodado desde el punto de vista del narrador, los tres siglos de historia del museo Hermitage de San Petersburgo. Dirigía Alexander Sokurov.

Gaspar Noé en 2009 también hizo uso y abuso de esta técnica en “Enter the Void” aunque con una variante: ver de escorzo al protagonista ya que es su alma la que al abandonar el cuerpo toma el punto de vista, surcando los aires.

Últimamente, cintas como “Monstruoso” (2008) de Matt Reeves o “Maniac” (2012) de Franck Khalfoun también utilizaron la cámara subjetiva en gran parte de su metraje.


Una duda razonable

Escrito por cinefiliacinefilia 20-10-2016 en Estrenos. Comentarios (0)


La próxima piel (La propera pell, 2016) **** ESPAÑA-SUIZA. 103 min.

Gran película escapada directamente de Sitges donde no obtuvo reconocimiento alguno a pesar del buen hacer de Isaki Lacuesta e Isa Campo como directores y guionistas ambos - junto a Juan Araujo-  en una historia que sabe mantenernos en vilo hasta el final.

Un joven de unos 17 años (Álex Monner) aparece después de ocho años perdido. La duda, la culpa y el deseo generarán el rechazo de su tío (Sergi López) que tras la muerte de su hermano, el padre del desaparecido, es un apoyo para la madre (Emma Suárez).

La tensión se puede cortar con un cuchillo en este drama contado en forma de thriller. El miedo a la duda de si el adolescente es o no un impostor que buscar huir con la madre, planea sobre toda la cinta mostrándonos pruebas hacia un lado y hacia otro en un manejo de la trama magistral.

Álex Monner e Igor Szpakowski deciden comprobar si su amistad es real.

Álex Monner y Emma Suárez brillan con luz propia en sus interpretaciones, casi más aún el primero que se mueve en un terreno difícil con un ambiguo personaje, convirtiendo “La propera pell” en uno de los mejores films españoles de la temporada.

LA ESCENA

Las imágenes a veces son sutiles apuntes, como el dedo sobre el botón de cierre automático del coche, al principio hasta la propia revelación del final donde un plano nos deja ya más allá de toda duda.


QUERIDA EMMA

Desde que nos encandilara como la Valentina adolescente de “Crónica del alba”, Emma Suárez ha recorrido un gran camino, trabajando con Garci o Borau, Isabel Coixet o Imanol Uribe hasta que llegó a ser musa de Julio Médem.

Emma Suárez sigue teniendo esa pícara mirada en “La propera pell”, aunque haga de madre.

Aunque también es gratamente recordada en películas menores como “Orquesta Club Virginia” imponiendo un carácter especial y atrayente en todos sus personajes. Trabajando también en papeles tan memorables como el de “El perro del hortelano” o “Sobreviviré” hasta que este año se estrenaba con Almodóvar en “Julieta” y estrena esta joya del cine independiente español, “La propera pell”, además de “Las furias” que nos llegará muy pronto.

TOP 10 EMMA SUÁREZ

 1. La ardilla roja

 2. Julieta

 3. Demasiado joven para morir viejo

 4. Tierra

 5. Sobreviviré

Emma Suárez no sólo encandiló a Nancho Novo en “La ardilla roja” de Julio Médem.

 6. Vacas

 7. Horas de luz

 8. Orquesta club Virginia

 9. El perro del hortelano

10. 1919. Crónica del alba


Amistad devaluada

Escrito por cinefiliacinefilia 18-10-2016 en Estrenos. Comentarios (0)

Verano en Brooklyn (Little Men) *** EEUU 85 min.

“Little Men” (Hombrecitos), tras su discreto paso por festivales como Sundance y San Sebastián llega ahora a las carteleras españolas con el Gran Premio del festival de cine americano de Deauville bajo el brazo.

Película entrañable sobre una historia de amistad entre dos chicos adolescentes de trece años. Esa edad en la que empezamos a dejar de ser niños pero aun no somos adultos. Son éstos los que pueden arruinar todo lo que los jóvenes han construido. La cinta pone el foco en como los intereses económicos se pueden llevar cosas mucho más importantes por delante y como lo aceptamos sin más, como una parte de la condición humana.

Su director y guionista Ira Sachs narra la historia con un ojo objetivo, sin dramatizar las situaciones ni valorar las decisiones de sus personajes. Incluso vemos una indefinición sexual en el joven Jake pero en ningún momento queda clara su homosexualidad, no entrando el realizador en la temática LGTB que ya tratara en otros filmes anteriores como “El amor es extraño” o la autobiográfica “Keeps the lights on”.

Paulina García, Jennifer Ehle y Greg Kinnear tienen un grave problema entre manos.

Los dos adolescentes son los debutantes Theo Taplitz y Michael Barbieri, que enamoran a la cámara, sobre todo en sus escenas juntos y actores más conocidos como Greg Kinnear (Persiguiendo a Betty) y Alfred Molina también integran el reparto de esta perlita que se puede ver como una lección de vida sobre las cosas que más valoramos erróneamente las personas adultas.

LA ESCENA

La sensación que se percibe en las escenas en las que los dos amigos adolescentes corren por las calles, acentuadas por una emotiva música, hacen pensar que su relación es más que una amistad, al menos por parte de uno de ellos.


FESTIVAL DE CINE ESTADOUNIDENSE DE DAUVILLE

Se trata de un festival con más de 40 años a sus espaldas que se celebra en la baja Normandía. En su comienzo en 1975 no era competitivo, sirviendo de rampa de lanzamiento a grandes producciones norteamericanas.

Desde 1995, fecha en la que empezó a conceder premios oficiales, pasó a valorar el cine independiente, aunque películas como “Mi Idaho privado”, “Trust me” o “El banquete de boda” a principios de los 90 ya habían sido objeto del reconocimiento Coup de cœur LTC.

“Mi Idaho privado” de Gus Van Sant empató en 1991 con “Trust me” de Hal Hartley al premio Corazonada que ya dejó de concederse.

Así, cintas como “Cómo ser John Malkovich” de Spike Jonze, “Hedwig and the Angry Inch” de Cameron Mitchell, “Pequeña Miss Sunshine” de Jonathan Dayton y Valerie Faris, “Take Shelter” de Jeff Nichols o “Whiplash” de Damien Chazelle han sido galardonadas con el Gran Premio del Jurado.

A otras como “Bienvenidos a la casa de muñecas” de Todd Solondz, “Memento” de Christopher Nolan, “Ghost World” de Terry Zwigoff y “Winter´s Bone” de Debra Granik se les ha otorgado el Premio del Jurado.

Además de estos dos premios se conceden otros tres, con carácter anual: el premio de la Crítica Internacional, Premio Revelación y el Premio Michel d´Ornano.

Andrei Konchalovsky, Charlotte Rampling, Neil Jordan o Roman Polanski han presidido el jurado compuesto por otros tantos nombres ilustres internacionales. Cualquier actor o director que se precie ha visitado en alguna ocasión este prestigioso festival, desde viejas glorias a estrellas actuales.