CINEFILIA

Estrenos

Muy punk, muy punk

Escrito por cinefiliacinefilia 09-06-2016 en Estrenos. Comentarios (0)

Green Room (2015) ****

Estamos ante un tipo de película que recuerda a “La invitación”. En principio su planteamiento es como una de cinta de otro género que a medida que se complican las cosas acaba en el terror, pero todo de forma muy realista.

Aquí, los integrantes de una banda de punk, The Ain´t Rights,  llegan a actuar a un festival donde se les avisa de que habrá neo nazis pero no llegarán a imaginar nada de lo que allí les pueda pasar. Tras presenciar un asesinato, la trama se complica de tal manera que las posibilidades de salvarse parecen nulas, sin embargo, sorprende y mucho a medida que pasa el metraje.

Muy destacable film del director norteamericano de cine independiente  Jeremy Saulnier, autor de “Blue Ruin” (96% en Rotten Tomatoes) y “Murder Party”. Patrick Stewart interpreta al malvado dueño del local donde actúan.

La película desde luego es muy punk en todos los sentidos, pero también precisa en tiempos, angustiosa y liberadora.

ESCENA CINEFILIA

La secuencia cuando entra el brazo por la puerta tras el incidente de la pistola es impactante y no la olvidaremos fácilmente, desde luego.

Patrick Stewart de la nueva generación de Star Treck, se ha pasado al lado oscuro en “Green Room”.

CINE DE NEONAZIS

Subgénero entre el thriller y el drama, siempre con mucha acción que suele ir acompañado con música punk y proporciona una interesante filmografía.

Los niños del Brasil (1978)

Gregory Peck interpreta al médico nazi Josef Mengele y Lawrence Oliver es el caza nazis que pretende arruinar el plan del doctor de hacer 94 clones de Hitler.

Made in Britain (1982)

TV movie dirigida por Alan Clarke, donde un joven Tim Roth es un skin delincuente juvenil

Romper Stromper (1992)

Russell Crowe lidera un enfrentamiento entre skins y la población filipina en Melbourne, Australia.

Tim Roth, a los 20 años, protagonizó “Made in Britain”, su primera película,

American History X (1998)

Edward Norton sale de la cárcel tras tres años de condena por matar a dos jóvenes negros brutalmente.

El creyente (2001)

La historia real de un judío metido a neonazi interpretado por Ryan Goslin.

Diario de un skin (2005)

Telefilme español donde Tristán Ulloa es un periodista que se infiltra en una banda de neonazis.

This is England (2006)

 Película británica donde un niño se une a un grupo de skins.

La ola (2008)

Cinta alemana sobre el experimento de un profesor para explicar a sus alumnos lo que es un régimen totalitario que se saldrá de madre.

Brotherhood (2009)

Filme danés donde un hombre se enamora de un compañero de una secta fascista.

Para ahondar más en tema: “Speak up, it´s so dark” (1993) Suecia, “El infiltrado” (1995, TV movie) EEUU, “Adams Aebler” (2005) Dinamarca, Pies de acero” (2006) Canadá, “Eastern players” (2009) Bulgaria, “Skinning” (2010) Serbia.


Al César, lo que es del César

Escrito por cinefiliacinefilia 03-06-2016 en Estrenos. Comentarios (0)

Fatima (2015) **

Vivimos una ola de hipocresía tal que mientras volvemos la vista atrás ante los conflictos y dramas del mal llamado tercer mundo, en cuestión de ayuda directa, luego creemos que premiando películas que tratan sobre la inmigración tenemos el cielo ganado. Eso es lo que deben pensar jurados y votantes de festivales y premios cinematográficos, al menos.

Porque sí, lo mejor de esta película es su duración: 78 minutos –y aun así hay momentos que se hacen interminables-  y el valor documental que tiene. Pero es inaudito que la Academia francesa le haya otorgado el Cesar a mejor película, además de guión y actriz revelación. Desde luego no a la protagonista, intérprete no profesional que recita el diálogo de la película como haría más o menos la madre de Almodóvar.

El drama de una familia argelina inmigrante en Francia, compuesta por una madre y sus dos hijas ya crecidas que abrazan el nuevo mundo adaptándose como pueden, a pesar de que su propia madre ni siquiera domina la nueva lengua en la que tiene que desenvolverse para sacarlas adelante.

Su director, Phillipe Faucon, nacido en Marruecos, acostumbra a tratar temáticas sociales principalmente musulmanas, tales como el conflicto bélico argelino, el terrorismo, la religión o la inmigración. Desde un punto de vista marcadamente realista sin ahondar en conflictos personales, sino más bien de forma genérica.

Las escenas con actores profesionales como Rachid Yous, antes Youcef, ganan bastante.

Así los personajes pasan a ser meros arquetipos de su clase social y ahí es donde está el problema, expone una situación latente en muchas personas pero no se sumerge en sus particularidades como ser humano, dando la sensación al espectador de estar viendo más un documental que una película de ficción, a pesar de que hay documentales con protagonistas que proyectan muchos más matices psicológicos.

ESCENA CINEFILIA

Dentro del devenir monótono de la trama hay sin embargo un punto de inflexión en la actitud del profesor de universidad, extremadamente estricto con los tiempos del examen, provocando la hilaridad en el espectador.


CÉSARS A LA MEJOR PELÍCULA

A pesar de que a los franceses se les acusa de chauvinistas los premios de cine del país del vino y el queso no reflejan eso. En el apartado de mejor película se ha concedido el premio a filmes de directores de países como EEUU (Joseph Losey), Italia (Etore Scola), Polonia (Roman Polanski, en dos ocasiones), Austria (Michael Haneke), Canadá (Denys Arcand), Túnez (Abdellatif Kechiche) o Mauritania (Abderrahmane Sissako), eso sí, siempre que la cinta esté rodada en francés.

Entre los directores del país, el que más veces ha conseguido tal honor es Alain Resnais (3 películas) y Jacques Audiard (2 películas). Otros realizadores, a pesar de tener el premio a mejor dirección nunca lo han logrado para sus películas, como Bertrand Tavernier y Luc Besson. E incluso algunos como Jean-Luc Goddard, Robert Bresson, Éric Rohmer o Léos Carax no tienen ni uno ni otro.

Stéphane Rideau y Gaël Morel en “Los juncos salvajes”.

Desde 1976, año en que se empezaron a entregar los César, se ha concedido el premio a 43 películas (un año se dio el galardón ex aequo), sobre las cuales hemos hecho un TOP 15.

1.  Los juncos salvajes. 1995, André Téchiné

2.  Un profeta. 2010, Jacques Audiard

3.  El pianista. 2003, Roman Polanski

4.  The Artist. 2012, Michel Hazanavicius

5.  Las noches salvajes. 1993, Ciryl Collard

6.  On conaît la chanson. 1998, Alain Resnais

7.  El odio. 1996, Mathieu Kassovitz

8.  Cyrano de Bergerac. 1991, Jean-Paul Rappeneau

9.  Las invasiones bárbaras. 2004, Dennys Arcand

10.  El último metro. 1981, Francois Truffaut

11.  En busca del fuego. 1982, Jean-Jacques Annaud

12.  Adiós, muchachos. 1988, Louis Malle

13.  Amor. 2013, Michael Haneke

14.  Amélie. 2002, Jean-Pierre Jeunet

15.  Tres solteros y un biberón. 1986, Coline Serreau


La secta suicida

Escrito por cinefiliacinefilia 02-06-2016 en Estrenos. Comentarios (0)

Acantilado (2016) ***

No cabe duda de que estamos ante uno de los comienzos más impactantes que recuerdo, en una cinta española al menos. Helena Taberna, su directora, siguiendo caso omiso de aquellas palabras que dijo Cecil B. De Mille de que una película debía empezar con un terremoto y de ahí para arriba, se marca un suicidio en masa, de varias personas vestidas de blanco tirándose de noche por un acantilado.

Se trata de la adaptación de la novela de Lucía Etxebarría El contenido del silencio, donde una joven que se ha distanciado de su familia entra en una secta que hace ese tipo de prácticas. Su hermano es avisado por las autoridades de la posible muerte de la joven y acude para su identificación a las islas Canarias, abandonándolo todo por encontrarla.

Es cierto que a lo mejor no sigue del todo los consejos de De Mille pero este thriller español apodado de intimista, consigue mantener el interés de una investigación policial para salvar a los integrantes de esta secta. La trama incluye además relaciones personales de amor y sexo, jugando con los elementos propios del género correctamente  integrados.

Ingrid García Jonsson y Jon Kortajanera, que últimamente parece preferir los sets de cine a las pasarelas.  

El reparto de este filme de mujeres incluye nombres femeninos como Goya Toledo, Ana Gracia, Juana Acosta e Ingrid García Jonsson. En la parte masculina, el último chico Almodóvar, Daniel Grao y el modelo metido a actor Jon Kortajanera, demostrando dotes suficientes para la interpretación, consiguiendo una unidad coral entre todos muy aceptable.

Su poco prolífica directora, Helena Taberna, que debutó con “Yoyes”, hacía ocho años que no dirigía ficción desde “La buena nueva”, con la que consiguió un premio en la Seminci de Valladolid para su protagonista Unax Ugalde.

SECUENCIA CINEFILIA

Aunque peque de poco original, la escena de entrada del suicidio ya comentada es la que más puede quedar en el recuerdo de los espectadores aunque no es el único suicidio que vemos en esos términos.


LUCÍA ETXEBARRÍA Y OTROS CUERPOS ESCRITOS

Juan Diego Botto y Enma Suárez interpretaban a un homosexual y una joven viuda que tienen una historia de amor en “Sobreviviré”.

Esta escritora madrileña hacía tiempo que no tenía relación con el séptimo arte desde que a principios de siglo colaboró en la escritura de guiones originales con Alfonso Albacete y David Menkes en “Sobreviviré” y “I love you baby” y con Antonio del Real en “La mujer de mi vida”. También llegó a adaptar una novela propia, la exitosa “Amor, curiosidad, prozak y dudas”, que dirigió Miguel Santesmases.

A esto hay que añadir que también intervino en un guión junto a varios autores en la película francesa “El príncipe del Pacífico” y sus intervenciones delante de la cámara en la desconocida  “Tomándote” (2000) y hace dos años en el falso documental “La maniobra de Heimlich”.

Parece que últimamente se ha reconciliado con el cine produciendo y escribiendo el cortometraje “Salir del armario”, también este mismo año.




El eslabón perdido y la animación francesa

Escrito por cinefiliacinefilia 31-05-2016 en Estrenos. Comentarios (0)

El reino de los monos (Pourquoi j'ai pas mangé mon père / Evolution Man, 2015) **

Primer título que dirige el actor francés de origen marroquí Jammel Debouze. Humorista que aparece en películas como “Amelie” o en el papel de Numeróbis en las aventuras de acción real de Astérix. A los 15 años perdió la movilidad del brazo derecho en un accidente, cosa que se refleja en el protagonista, al que además de aportarle su voz, le da su imagen. También ha hecho la adaptación al guión de la novela Evolution Man - How I Ate My Father (1960) de Roy Lewis. Obra de culto que desarrolla una mirada en clave cómica a la evolución del hombre prehistórico.

Jamel Debbouze utiliza el libro de Lewis para construirse un personaje a su imagen y semejanza y llevarlo a su terreno en un relato naif, lleno de verborrea que se deja por el camino la clave de la novela.

Debbouze no es el único cómico real cuya imagen aparece en la cinta. Louis de Funès también es recreado en el personaje de Vladimir. Un homenaje al actor de la saga Fantomas, imitando sus rasgos y tono de voz. La técnica de animación empleada ha sido el motion capture, consiguiendo dibujos más realistas en sus movimientos pero que a la vez son una mera transposición de los actores que los interpretan, disolviendo la magia de la animación.

El heredero al trono de una comunidad de monos es mandado matar al poco de nacer por ser más pequeño y despoblado de pelo que su fuerte hermano menor, por consejo de la bruja de la tribu. Un simio que vive en soledad lo salva y lo cría, demostrando con los años ser el eslabón perdido entre el mono y el hombre, al caminar sobre dos piernas o dominar el fuego.

Cinta que se deja ver sin que levante demasiadas emociones y cuyo discurso pro familia llega a cansar un poco, aunque tampoco aburre.  A esto hay que añadir que la banda sonora llena de éxitos de soul de Aretha Franklin, Stevie Wonder o Nina Simone desentone  con la sabana de hace millones de años.

ESCENA CINEFILIA

Son quizás las escenas de la hechicera las más conseguidas, aunque por otro lado hay que decir que recuerda sospechosamente al mono Rafiki de “El rey león”.


CINE FRANCÉS DE ANIMACIÓN 

Imagen del episodio de Charles Burns de “Peur(s) du noir”.

Como también es habitual en otras cinematografías, vemos en la animación francesa una tendencia marcada por las adaptaciones de cómics, tanto propios como belgas e incluso italianos. Así, existen hasta nueve largometrajes animados sobre el personaje de Astérix, la primera, “Astérix el galo” de 1967 y la última de 2014.

Dentro del cómic belga, el famoso reportero de Hergé de flequillo levantado ha sido llevado en dos ocasiones a la gran pantalla, en dibujos, a principios de los 70, en “Tintín en el templo del sol” y “Tintín en el lago de los tiburones” por la productora Belvision, mucho antes que por Spielberg. También los adorables gnomos azules de Peyo pudieron ser vistos en versión francesa en “La flauta mágica de los pitufos” (1976) antes de que los tridimensionearan en Hollywood.  

Los cómics de Corto Maltés del italiano Hugo Pratt fueron animados en cine en “Corto Maltés, la película” (2002) de Pascal Morelli y entre 2002 y 2004, el Canal + francés produjo cuatro películas más para televisión.

En 2007, la historietista iraní afincada en Francia, Marjane Satrapi, adaptaba su propia novela gráfica “Persépolis”, de gran éxito. Y  ese mismo año, conocidos dibujantes de cómic como el americano Charles Burns o el francés Blutch creaban dos de los seis fragmentos de que se componía la magnífica película de terror en blanco y negro “Peur[s] du noir” (aka “Fear[s] of the Dark”).

“El planeta salvaje” una compleja historia donde los humanos son aniquilados como insectos.

Pero no sólo de cómics vive la animación francesa. Hay autores como René Laloux que nos deleitó con la espectacular “El planeta salvaje” en 1973 y continuó durante toda la década de los 80. Entre otras muchas destacan “Los amos del tiempo” (1982), ayudado en el guión por Moëbius y “Gandahar, los años luz” (1988), donde colaboró con Isaac Asimov.

A finales de los noventa Michel Ocelot inició una trilogía con “Kirikú y la Bruja” (1998) y del resto de sus películas, “Azur y Asmar” (2006) es la que ha tenido mayor repercusión.

En 2003, el filme de Sylvain Chomet “Bienvenidos a Bellville” era reconocido con diversos premios y nominaciones, incluida la de los Oscar y siguió haciendo animación con “El ilusionista” (2010), sobre un guión de Jacques Tatí. Ahora prepara la precuela de Bellville, “Swing Popa Swing” para 2018.

El afamado Luc Besson creó en 2006 la saga de “Arthur y los minimoys” con tres películas hasta ahora, donde mezcla imagen real y animación 3D. El mismo año destacó la futurista “Renacimiento” del animador del videojuego “Rayman”, Christian Volckmn.



“Renacimiento” y “El Ilusionista”, dos ejemplos muy distintos de reciente animación en Francia.

Una pareja de directores parecen ser los últimos en llegar, Alain Gagnol y Jean-Loup Felicioli,  habiendo realizado largometrajes como “Un gato en París” (2010) nominada al Oscar a película de animación y de estilo picasiano y “Phantom boy” (2015) de dibujo pop-art.

El historietista Joann Sfar también triunfó en premios y festivales con la cinta para adultos “El gato del rabino” (2011). Las películas más recientes de la animación francesa son: “Ernest & Célestine” (2012), de corte infantil y que obtuvo otra nominación al Oscar, “La mecánica del corazón” (2013) de tono gótico, en stop motion o “El principito” (2015) sobre la novela de Antoine de Saint-Exupery.



Michael Moore invade Europa

Escrito por cinefiliacinefilia 24-05-2016 en Estrenos. Comentarios (0)

¿Qué invadimos ahora? (Where to invade next?, 2016) ***

Michael Moore, el polémico y crítico autor de documentales, series de televisión y libros vuelve a arremeter contra la administración norteamericana en salud, educación, beneficios laborales, el sistema penitenciario, el papel de la mujer o incluso las drogas y el aborto. En su estilo irónico propone invadir países donde son ejemplos de éxito en su gestión sobre estos temas.

A través de viajes  a diferentes países de Europa, principalmente, visita empresas, centros educativos, cárceles o el muro de Berlín, entrevistando a directivos, gente corriente, policías o la propia ex-presidenta de Islandia, Jóhanna Sigurðardóttir, primera jefa de gobierno reconocida como lesbiana en el mundo.

Incluye además reportajes informativos sobre la reciente esclavitud en EEUU de personas de color que tras haber estado en la cárcel pierden derechos sociales (incluido el voto) y se ven obligados a trabajar en condiciones de opresión a diferencia de Portugal donde parece haber un gran respecto por la dignidad humana, incluso por la policía.  Así como sobre la masacre de la isla noruega de Utoya, llevada a cabo por el pronazi  Anders Behring Breivik, contraponiendo la baja pena a la que fue sentenciado con la idea de la reinserción de los delincuentes en este país.

Para los que critican a Michael Moore y le acusan de odiar América, el documentalista subraya que muchas de las ideas que se han seguido en estos países han salido de ideas estadounidenses o de su propia constitución. A continuación se expone en una tabla los países que visita y que temas se tratan. ¿Es esto un spoiler?

ITALIA

Disfrutan de muchos días vacaciones en sus trabajos.
FRANCIA

Comen como reyes,
 Educación sexual en la escuela.
FINLANDIA

Mejor educación mundial, no tienen deberes.
ESLOVENIA

Universidad gratis.
ALEMANIA

Trabajan sólo 36 hrs./semana,
 Respeto a las víctimas del nazismo.
PORTUGAL

Despenalización de los delitos por drogas, 
Respeto por la dignidad humana.
NORUEGA

Inmejorable rehabilitación penitenciaria,
Matanza de la isla Utoya.
TÚNEZ

Aborto libre financiado por el estado, 
Salieron de una dictadura,
El poder de la mujer.
ISLANDIA

Primera presidenta mujer LGTB,
Encerraron a los banqueros.

SECUENCIA CINEFILIA

El vídeo que han grabado los funcionarios de una cárcel de máxima seguridad de Noruega, cantando We are the world” les debe hacer mucha gracia a los presos para los que está hecho, además de perderles el respeto. Absolutamente impensable en cualquier otro país.


Michael Moore conversa con Marilyn Manson en "Bowling for Columbine"

MICHAEL MOORE Y EL GÉNERO DOCUMENTAL

Moore ya había tocado algunos de estos temas en sus anteriores trabajos. En “Bowling for Columbine” (2002), Oscar al mejor documental, a través de la matanza en un instituto de secundaria llevada a cabo por uno de sus alumnos, aprovechaba para hablar en contra del sistema educativo norteamericano, además de la política armamentística. Lo mismo ocurría con la sanidad en “Sicko” (2007). 

Con “Farenheit 9/11” (2004), dura crítica a la administración de Bush, conseguía la Palma de Oro en Cannes. Su último trabajo hasta la fecha, había sido “Capitalismo: una historia de amor” (2009), sobre la crisis económica. En 2008 incitó al voto a los jóvenes americanos en la inédita en España, “Slacker Uprising”.

Pero aunque el Oscar fue lo que le hizo mundialmente popular desde principios de siglo, empezó a realizar documentales en 1989, consiguiendo entrevistar al presidente de General Motors, empresa donde trabajaron sus padres y abuelos, que cerró una de sus fábricas en el pueblo natal de Moore para abaratar costes llevándosela a México.Tocó este tema en sus dos primeros trabajos: “Roger and Me” y “Pets or Meat: The Return to Flint”. En “Canadian Bacon” (1995) imaginó una guerra fría con Canadá y en “The Big One” (1997) contactó con norteamericanos que habían sido reprimidos.