CINEFILIA

Estrenos

Los monstruos de la vigilia

Escrito por cinefiliacinefilia 14-06-2018 en Estrenos. Comentarios (0)

No dormirás *** (2018) URUGUAY-ARGENTINA-ESPAÑA. 106 min. Estreno: 15 de junio.

Nunca nos planteamos la veracidad de que el insomnio prolongado provocara a Christian Bale terribles alucinaciones en El maquinista. De igual manera y apoyada por una serie de afirmaciones escritas al principio de la película, No dormirás juega con esta idea y va mas allá, siendo unos actores los que se provocan la vigilia para llegar a un estado performativo idóneo para una representación teatral.

De hecho, este estado los introduce en una especie de otra dimensión, llegando a repetir los actos que allí presencian. Este es el intrincado punto de partida que utiliza el director uruguayo Gustavo Hernández para provocarnos el horror en un psiquiátrico abandonado, que es donde se ensaya la obra y donde parece que ocurrieron unos macabros hechos.

De esta manera, ya tenemos todo para una cinta de género: ambientes oscuros, un pasado que influye en el presente de manera amenazante y un viaje a los sitios más recónditos de nuestra mente. Elementos que bien jugados consiguen hacernos creíble un guión de Juma Fode con varias aristas, que en un principio se sostiene un poco con palillos.

Natalia de Molina y Eva De Dominici escuchan aterradas a Belén Rueda (de espaldas)

En la historia subyacen también temas como la competitividad entre actores o el precio del éxito que sirven de acicate para unos personajes bien construidos e interpretados. Aunque Belén Rueda y Natalia de Molina encabezan el reparto, Eva De Dominici es en realidad la protagonista, apoyadas por Juan Manuel Guilera, ambos argentinos y María Zabay.

ESCENA CINEFILIA

Los sustos son un poco manidos, aunque efectivos en los momentos apropiados y hay dos imágenes que nos llevan directamente a La semilla del diablo, en la escena de la cuna y a Rebeca, en la mujer en la ventana.


ENTREVISTA CON EL DIRECTOR

Gustavo Hernández, que no se considera un director de género, aunque sus dos anteriores cintas también sean de terror, define No dormirás como “una película más allá del terror, con muchas capas que vas descubriendo, tiene una cuota de drama, con una relación de una hija con un padre y de cómo desarrolla un artista una obra y hasta dónde puede llegar para que cale y se recuerde”.

El director con Belén Rueda y Natalia de Molina en el pase de prensa en los cines Princesa

¿Qué parte real hay en el tema del insomnio? Mucho, mucho. Hay más de lo que pensamos. El 80% de lo que se afirman en las placas al inicio de la película es real. Hay alucinaciones auditivas, visuales, comportamientos erráticos. Cuando no se duerme, los sentidos se amplifican. Hay muchos estudios en EEUU, donde se monitorizaron más de cien horas. En un momento ya, el insomne no se puede dormir.

¿Cómo llegó Belén Rueda al proyecto? Aunque veníamos de películas independientes, escribimos el personaje de Alma Böhm pensando en ella y por suerte le llegó el guión, le gustó y quiso participar en la película y a partir de ahí el proyecto tomó otra dimensión.

¿Qué te atrae del terror? El terror tiene un público muy especial, muy abierto y creativo. El terror abarca muchos géneros: drama, acción y un toque de fantasía que no tienen otros. Puedes jugar con muchos caminos. Ahora casi todos los festivales de clase A incluyen una sección de películas de este tipo.

¿Te consideras un director de género? Más allá de Carpenter, Sam Raimi, Hitchcock o Polanski, mis influencias no vienen del terror. Yo crecí viendo mucho cine americano de los 70, de Coppola, de Scorsese, de Brian De Palma. Yo pensé que mi primera película iba a ir por ese lado pero terminé dentro del género casi de casualidad con “La casa muda”, que como terminó en Cannes y con un remake norteamericano, Silent house, me abrió las puertas en el género.

Nos aseguró que “hay que tener un pie en la realidad y otro en la locura, como se dice en la película. Eso es lo que me pasa a mí como director”.


Sabor a humano

Escrito por cinefiliacinefilia 13-06-2018 en Cómic. Comentarios (0)

Tokyo Ghoul *** (Tōkyō Gūru / 東京喰種:トーキョーグール , 2017) JAPÓN. 119 min. Estreno: 14 de junio.

No acostumbran a hacer en Japón buenas versiones live action de sus manganimes más reputados, posiblemente porque generalmente son productos de consumo rápido hechos para un público juvenil, que se hacen a toda prisa.

Tampoco dan en el clavo si la película transciende a Hollywood, como son los nefastos casos de Dragonball Evolution (2009) o la más reciente Death Note (2017), aunque otra cosa fue Ghost in the Shell (2017), a pesar de que tampoco triunfara en taquilla.

Por supuesto que hay honrosas excepciones niponas también, como Battle Royal (2000) u Oldboy (2003). Tokyo Ghoul no llega a tanto pero si está al nivel de otras que sin ser excelentes películas, consiguen un equilibrio entre ser fiel a su origen en dibujos y no verse especialmente casposa, al igual que le pasa a Gantz (2011).

Nobuyuki Suzuki es uno de los agentes especiales que se enfrenta a los ghouls

Los ghouls son monstruosas criaturas que se alimentan de carne humana. De aspecto similar al hombre, viven camuflados entre la población. Un tímido estudiante de universidad se convierte en uno de ellos tras ser atacado por la chica que le gusta, que resulta ser uno de estos seres.

Tras su aparición en cómics en 2011, Tokyo Ghoul pasó a serie de animación en 2014 y el año pasado llegaba a la gran pantalla con actores de carne y hueso. Aunque quizás no sea lo más acertado la elección del protagonista, Masataka Kubota, que en ocasiones resulta demasiado pusilánime, a pesar de haber sido Light en una serie de televisión de Death Note y parece un firme candidato a ser Luffy en el proyecto de One Piece.

Su director, el debutante Kentarô Hagiwara, cita El último samurái (2003) con Tom Cruise, el Volumen I del Kill Bill de Tarantino y Distrito 9 (2009) como influencias en su película por ser historias potentes llenas de acción. Así, los combates entre la policía y los ghouls tienen bastante importancia en la trama, consiguiendo momentos impactantes.

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Los ataques de los ghouls a los humanos son de tal violencia, debido a su gran superioridad de fuerza, que hacen pensar en el hombre como alimento, como otros animales pueden serlo para él, apelando su lado animalista que en el anime, por ejemplo, queda más diluido. Además la frase publicitaria en su distribución norteamericana es “Los humanos ya no están en la cima de la cadena alimenticia”.


UN MANGA DE ÉXITO

Imagen de la segunda temporada del anime

El manga, creado e ilustrado por Sui Ishida, empezó a serializarse en la revista seinen (para mayores de 18), Young Jump a partir de septiembre de 2011. Tres años más tarde fue compilado en 14 volúmenes. El Studio Pierrot (creador de Naruto) produjo el anime que empezó a emitirse en el canal Tokyo MX en julio de 2014, al mes siguiente de su compilación.

Tras el gran éxito del primer manga se han comercializado otros dos más: Tokyo Ghoul: re y Tokyo Ghoul: Jack. La secuela del anime no coincide con el cómic y lleva por título Tokyo Ghoul √A. Tras realizar dos OVAs, Tokyo Ghoul Jack y Tokyo Ghoul Pinto en 2015, el Studio Pierrot por fin ha adaptado Tokyo Ghoul:re al anime, siendo emitido desde abril de este año 2018 y que después de un descanso veraniego finalizará en diciembre.

Existen además tres novelas: Hibi, Kohaku y Sekijitsu y dos videojuegos: Carnival y Jail, que sólo están disponibles en Japón.


Siempre tendremos…Marsella

Escrito por cinefiliacinefilia 12-06-2018 en Festivales. Comentarios (0)

FESTIVAL DE CINE ALEMÁN DE MADRID

En tránsito **** (Transit, 2018) ALEMANIA-FRANCIA. 101 min. Estreno: 15 de junio.

Aunque en un principio cuesta creerse una historia de la ocupación alemana durante la Segunda Guerra Mundial ambientada en una Marsella contemporánea, llena de grafitis y coches modernos, un potente argumento casi de thriller con unos personajes a la altura hacen que consigamos entrar en el juego.

Como en la Casablanca de Michael Curtiz, los personajes esperan, esperan, esperan… para conseguir sus visados que les permitan poner rumbo a América ante la inminente ocupación nazi. Y como en el clásico que protagonizara la pareja Borgart-Bergman hay un triangulo amoroso. Una mujer busca desesperadamente al hombre que abandonó, cuya identidad ha sido usurpada por un joven judío alemán tras el suicidio de este.

Los protagonistas, en tránsito, deambulan como fantasmas en el limbo esperando un destino. La ubicación de los mismos, en ese entorno actual los acerca más aún a los refugiados que rechazados por Italia han sido aceptados por España estos días, convirtiendo la cinta en una película de actualidad política, a pesar de que está basada la novela de Anna Seghers,Tránsito, que ya se llevó al cine en 1991.

Godehard Giese (de espaldas), Franz Rogowski y Paula Beer atrapados en Marsella

Christian Petzold, que en su anterior película Phoenix (2014) también nos presentó un drama de identidades perdidas tras la II Guerra Mundial donde igualmente una mujer buscaba a su marido, ahora se atreve con un ejercicio de anti historia al no ambientar la cinta en su contexto argumental, inspirado por el filme de Chantal Akerman, Retrato de una joven a finales de los 60 en Bruselas.

Franz Rogowski, que pronto podremos ver en la próxima película de Michael Haneke, Happy End, protagoniza la película junto a Paula Beer, que vimos recientemente en Frantz. Junto a ellos, destacamos la presencia de Barbara Auer como la mujer de los perros o la intervención española de Alex Brendemühl como el cónsul mexicano.

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Aunque las escenas en las que la protagonista busca sin cesar a su amante son descorazonadoras, nos ha conmovido especialmente esa mujer de los perros cuyas apariciones presagian un trágico final, que no es ajeno al resto de personajes.


20 AÑOS DE CINE ALEMÁN EN MADRID

La vigésima edición de esta muestra de cine germano en la capital se inaugura hoy martes 12, con la proyección de En tránsito, hasta el domingo 17 de junio. Como siempre, ofrece una muestra de la cinematografía del país más reciente, que también incluye cine infantil, cortos y documentales.

Klaus Kinski e Isabelle Adjani en la versión de Nosferatu de 1979

Además, la proyección de cine mudo la dedica a Espías de Fritz Lang, con banda sonora electrónica interpretada en vivo por Matthias Hirth. Y como novedad, este año se estrena el Ciclo Angst, un viaje por el terror y horror alemán, donde se proyectarán los clásicos Nosferatu, vampiro de la noche (1979) de Werner Herzog y El testamento del doctor Mabuse (1933) de Fritz Lang.

Más información en la página del festival www.cine-aleman.com


Transgresor hasta la muerte

Escrito por cinefiliacinefilia 08-06-2018 en Estrenos. Comentarios (0)

McQueen **** (2018) REINO UNIDO. 111 min. Estreno: 8 de junio

Al parecer la música que Michael Nyman compuso para El piano (1993) - autor que también firma la  banda sonora del documental- inspiró al diseñador Alexander McQueen, escuchándola en sus talleres de trabajo, al menos en sus comienzos que coinciden con la época del film de Jane Campion.

Aunque no llegó a trabajar en el medio, esta no fue su única influencia cinematográfica. McQueen no pudo escapar de la alargada sombra de Hitchcock. Así, Los pájaros o El hombre que sabía demasiado fueron referentes en sendos desfiles, llegando a diseñar un bolso con el nombre de Novak, en homenaje a la protagonista de Vértigo.

Pero el estilo de este rompedor artista inglés que se expresó a través de la moda, como lo podría haber hecho en cualquier otro campo, se caracterizó más por su carácter salvaje templado por el goticismo de los cuentos de los Grimm, aunque los medios de la época lo tildaron de fetichista, gore e incluso misógino.

Modelo cuyo vestido es pintado por robots en la presentación de una colección de McQueen

Esta biografía dirigida por Ian Bonhôte y Peter Ettedgui, hace un recorrido por su vida profesional y personal a través de entrevistas con las personas que trabajaron con él, que a su vez fueron sus amigos, sus parejas y sus familiares. Además de filmaciones de sus teatrales desfiles y  grabaciones y fotografías personales inéditas.

Nacido en el East End londinense, barrio obrero en el que Jack el Destripador cometió sus crímenes y en quien se basó para sus primeras creaciones, McQueen pronto fue puesto al frente de la casa Givenchy y años después Gucci adquirió las acciones mayoritarias de su firma, pasando de la pobreza a la riqueza en poco tiempo.

El documental hace hincapié en lo obsesionado que vivió en su trabajo, así como en su abierta homosexualidad, sus traumas personales y sus devaneos con las drogas que hicieron que terminara con su vida, ahorcándose una noche de febrero de hace poco más de ocho años, tras haber consumido cocaína y tranquilizantes, el día antes del entierro de su madre.

Björk en el vídeo Alarm Call dirigido por McQueen

MÁS INFLUENCIAS CINÉFILAS

A parte de las comentadas influencias cinéfilas de McQueen en sus diseños, otras cintas que homenajeó en sus colecciones fueron Danzad, danzad malditos (1969) o Barry Lyndon (1975) del maestro Kubrick. Además, se declaró fan de las películas underground de su época, en especial de las road movies, destacando algunas como Bufalo´66 (1998) o Paris Texas (1984) de Wim Wenders.

COLABORACIONES EN LA MÚSICA

Llegó a dirigir un video clip de Björk, Alarm Call (1998), a la que también vistió en Pagan Poetry (2001)  y Volumen Plus (2002). También trabajó con artistas como Lady Gaga y la cantante de J-pop Ayumi Hamasaki.

OTRAS PELÍCULAS SOBRE McQUEEN

Además de este, existen otros dos documentales sobre la vertiginosa carrera de este gran creador: McQueen and I (2011) y el más reciente, El legado de Alexander McQueen (2015), ambos para la televisión, el primero para el Channel 4 inglés y el segundo del canal Arte de Francia.

Aunque en 2016 fue anunciado un biopic sobre McQueen dirigido por Andrew Haigh (Lean on Pete), tras la marcha del proyecto de Jack O´Connell (Convicto, Money Monster), que iba a interpretar al diseñador, no se ha sabido nada más.


La escritora fantasma

Escrito por cinefiliacinefilia 01-06-2018 en Estrenos. Comentarios (0)

Basada en hechos reales**** (D'après une histoire vraie, 2017) FRANCIA. 110 min. Estreno: 1 de junio.

La última película de Roman Polanski, que se presentó en Cannes hace un año fuera de concurso, se puede calificar de thriller psicológico, muy en la línea de este gran realizador polaco, donde juegan un papel muy importante nuestros demonios interiores y una cuidada estética al estilo de Paul Verhoeven o Brian de Palma, alumnos aventajados de Alfred Hitchcock.

La vida en soledad de una escritora, que recibe amenazantes cartas de anónimos y que se debe enfrentar a la temida página en blanco, hace que viva una misteriosa amistad con una admiradora que llega a peligrosos extremos, aunque puede convertirse en el argumento de su próxima novela.

Películas como Misery, Mujer blanca soltera o la más reciente El amante doble de François Ozon nos vienen a la cabeza viendo Basada en hechos reales, cuya protagonista Emmanuelle Seigner, esposa de Polanski, considera más cercana a otras obras de su marido como Repulsión, El quimérico inquilino o incluso La semilla del diablo.

Emmanuelle Seigner y Vicent Pérez podrían ser un trasunto del matrimonio de Polanski

Posible ficción dentro de la ficción, juego de espejos donde el espectador empieza a plantearse qué hay de verdadero en lo que está viendo y qué es parte de la imaginación de un creador de historias que va perdiendo el contacto con la realidad. A pesar de tratarse un film muy polanskiano, no olvidemos que está basado en la novela Delphine de Vigan y que ha tenido como aliado en su adaptación al director Oliver Assayas (Personal Shopper).

Además de su musa, Emmanuelle Seigner, Polanski ha contado con la presencia de la actriz francesa Eva Green, absolutamente perfecta para ese papel de fan con indicios de trastorno bipolar pero tan seductora como enigmática. Vincent Pérez y Dominique Pinon (Delicatessen) les dan la réplica en el plano masculino.

ESCENA CINEFILIA

Son de especial gusto estético las escenas oníricas de la película, sobre todo la primera de ellas. La otra, hacia el final, está más integrada en la ambigua trama que no llega a decantarse del todo, dejando posibilidades abiertas a las dos opciones que se plantean.


MUSA  Y ESPOSA

Emmanuelle Seigner en una erótica escena de Lunas de hiel frente a Peter Coyote

Treinta y tres años menor que Polanski, con el que contrajo matrimonio tras trabajar a sus órdenes en Frenético (1988), Emmanuelle Seigner ha llegado a colaborar con él en un total de cinco películas, incluyendo esta última.

Así, también Lunas de hiel (1992), La novena puerta (1999) y La Venus de las pieles (2013) están protagonizadas por esta actriz, modelo y cantante, que en 2006 unió su nombre al de la banda de pop rock Ultra Orange, además de haber tenido dos hijos con el director.

Antes de Polanski, trabajó con Jean-Luc Godard en Detective (1985) y después con directores como Mario Monicelli (Il male oscuro, 1990), Julian Schnabel (La escafandra y la mariposa, 2007), Dario Argento (Giallo, 2009) o Françoise Ozon (En la casa, 2012).