CINEFILIA

Estrenos

Una historia de la crisis o la picaresca nipona

Escrito por cinefiliacinefilia 20-12-2018 en Estrenos. Comentarios (0)

Un asunto de familia  (万引き家族 /Manbiki Kazoku. AKA: Shoplifters, 2018) JAPÓN. 121 min. Estreno: 21 de diciembre.

Ganadora de la Palma de Oro este año en Cannes y seleccionada por Japón para participar en los Oscars, aun pendiente de ser candidata, Un asunto de familia, traducción española del original que vendría a ser algo así como Robo en familia, a pesar de todos sus reconocimientos, no es la mejor película de Hirokazu Kore- Eda.

Su intención de reivindicar un nuevo modelo familiar dentro de un ámbito de exclusión social y fuera de los habituales lazos de sangre que dictan lo que es una familia, es muy loable, sin duda, pero el tema que desarrolla una película no la hace mejor si la manera de contarlo es espesa y tarda demasiado en entrar en harina, como es el caso.

Un dramedy en toda regla, que va ganando a medida que se nos va desenredando esa madeja que conforma esta familia diferente, que vive el día a día enfrentándose a lo que la vida le puede ofrecer, incluyendo el hurto, la extorsión y la prostitución, para subsistir en la marginalidad de un frío Tokio afectado por la recesión.

Esta es la quinta colaboración de la actriz Kirin Kiki (derecha) con el director

El director vuelve a contar con la anciana actriz Kirin Kiki, que a todos fascinó en Una pastelería en Tokyo (2015) de Naomi Kawase, regalándonos nuevamente un papel de matriarca de un clan del que verdaderamente lleva ella las riendas.

FRASE CINEFILIA

“Lo que roban es el vínculo que une a una familia”


KORE-EDA Y LA FAMILIA

Este director nipón comenzó su andadura cinematográfica en el documental, a principios de los noventa. Temáticamente, su obra se ha centrado en los conflictos familiares, a través de diferentes géneros que incluyen el drama, la comedia, el thriller, el cine histórico e incluso lo sobrenatural y fantástico.

Con Air Doll, Kore-Eda se desmarcó de sus habituales conflictos familiares

En 2009, nos cautivó con Air Doll, la historia de una muñeca hinchable que cobra vida al ser tratada como una persona por su dueño. A partir de ahí, fue habitual en Cannes, donde ganó el Premio del Jurado con De tal padre, tal hijo (2013).

Más recientemente, con Nuestra hermana pequeña (2015), basada en un manga de Akimi Yoshida, ganó el Premio del Público por segunda vez en San Sebastián. Sus últimas películas, Después de la tormenta (2016) y el magnífico thriller El tercer asesinato (2017) son más directas y de una narrativa más conseguida que mismamente Un asunto de familia.

Aunque Kore-Eda, hasta ahora, ha desarrollado toda su carrera en Japón, su próxima cinta, La verdad, cuenta con producción francesa y actores de la talla de Juliette Binoche, Ethan Hawke y Catherine Deneuve, en una confrontación madre-hija que nos remite a los mejores Bergman o Almodóvar, así a priori.


Suspiria, corregida y aumentada, ¿pero necesaria?

Escrito por cinefiliacinefilia 06-12-2018 en Estrenos. Comentarios (0)

Suspiria ** (2018) ITAL-EEUU. 152 min. Estreno: 5 de diciembre.

El homenaje que Luca Guadagnino ha pretendido hacer a Dario Argento con este remake de Suspiria (1977) está marcado por dos principales errores. Uno ha sido aumentar ostensiblemente el metraje de la original en una hora más y el otro, el principal, introducir tramas políticas de la Alemania de los años 70.

Es cierto que a pesar de los cambios que ofrece esta versión, que no son pocos, de alguna manera se mantiene el espíritu de la película de culto giallo en la que se inspira. Guadagnino nos ofrece una oscura adaptación, frente a la propuesta de Argento de colores saturados, donde nos muestra abiertamente el aquelarre de brujas que se sugería tan elegantemente en la anterior.

Pero esto, sin embargo, resulta la parte más hipnótica y terrorífica en un giro de la historia al drama psicológico casi freudiano, con toques de feminismo y ecos del nazismo, como metáfora de la maldad absoluta, echando así demasiados ingredientes a la olla.

Elena Fokina es una bailarina rusa que ya había intervenido en otras películas

Suspiria (2018) tiene ese algo de la megalomanía de los grandes autores cuando abordan el terror, como Aranofsky o Kubrick, como si tuvieran que hacer más grande un género que ya lo es por sí mismo sin necesidad de explicaciones de mayor calado moral.

ESCENA CINEFILIA

La secuencia en la que una de las bailarinas es golpeada con extrema violencia contra las paredes de espejo y el suelo, retorciéndole literalmente las extremidades, supone el primer contacto con fuerzas sobrenaturales de la cinta, abriéndonos la puerta al delirio que nos espera.

GRANDES ARTISTAS

Capítulo aparte merece el tema del reparto. Al parecer Guadagnino quería reunir a los actores de su película Cegados por el sol (2013), consiguiendo sólo a Dakota Johnson (como la nueva alumna de la escuela de danza, bueno aquí compañía) y a Tilda Swinton, que además de interpretar a la directora, también hace un papel de hombre, como el viejo psiquiatra, bajo el nombre de Lutz Ebersdorf y varias capas de maquillaje que la hacen irreconocible.

El secreto de que Tilda Swinton es Lutz Ebersdorf fue desvelado tiempo después del estreno en el festival de Venecia

Además, el director de Call me by your name recupera a la protagonista de la versión de 1977, Jessica Harper, en un pequeño papel y destaca, en un reparto casi exclusivamente femenino, la joven Chloë Grace Moretz (Kick-Ass, Déjame entrar). De hecho, sólo los dos detectives y algún personaje minoritario son interpretados por hombres.

En cuanto a la banda sonora, decir que Thom Yorke, el cantante de Radiohead, la ha compuesto inspirándose en el Kraut Rock, corriente musical de rock y electrónica surgida en Alemania Occidental a finales de los sesenta y vigente en la época en que se desarrolla la película.

Finalmente, los diabólicos bailes, que quieren reflejar los sentimientos femeninos, están inspirados en bailarinas de danza moderna como Pina Bausch, de quién Pedro Almodóvar rodó una coreografía suya para su película Hable con ella (2002).


Tortura psicológica

Escrito por cinefiliacinefilia 23-11-2018 en Estrenos. Comentarios (0)

La noche de 12 años *** (2018) URUGUAY. 122 min. Estreno: 23 de noviembre.

El tercer largometraje de Álvaro Brechner, director uruguayo que la revista Variety reconoció como uno de los 10 talentos emergentes de Latinoamérica, es una de esas películas necesarias, ya que nos narra un episodio histórico a ser recordado: el encarcelamiento de José Múgica, posteriormente presidente de Uruguay, junto a otros ocho disidentes del régimen.

¿Qué tuvo de especial este presidio? Bajo la máxima de “como no pudimos matarlos, vamos a volverles locos”, los presos permanecieron aislados durante doce años, donde pasaron la mayor parte del tiempo encapuchados, atados, en silencio, privados de sus necesidades básicas, casi sin alimento y en celdas diminutas de las que eran movidos con frecuencia.

La película de Brechner muestra esta experiencia al detalle, centrándose en tres de ellos, ya que los nueve fueron divididos en tres grupos. El español Antonio de la Torre interpreta a Múgica, con el consiguiente esfuerzo de pronunciar con acento de Montevideo y los otros dos son Chino Darín y Alfonso Tort, más convincente este último, que debutó en 25 Watts.

El director, Álvaro Brechner, dando pautas a los tres protagonistas

Soledad Villamil (El secreto de sus ojos) y la cantante española Silvia Pérez Cruz les dan la réplica femenina. Esta última interpreta una versión de Los sonidos del silencio de Simon  y Garfunkel, con gran sentimiento, junto a otras canciones en la película.

Todo un drama carcelario axfisiante que llega a extenuar en algunos momentos e incluye escenas oníricas, así como ciertos ingredientes de humor irónico para paliar la angustia que refleja la situación de estos reclusos convertidos en rehenes.

ESCENA CINEFILIA

Dentro de todo el drama que supone este episodio de la dictadura uruguaya, el director se permite una escena cómica en la que se ridiculiza la cadena de mandos del autoritarismo, cuando uno de los reclusos tiene que defecar esposado a una tubería.


EL BOOM DEL CINE URUGUAYO

Tras la dictadura iniciada en 1973, a la que La noche de 12 años hace referencia, en la que se producían principalmente films encargados por el régimen, en su mayoría documentales, y otros de postura disidente realizados de forma independiente, en el siglo XXI surge una nueva ola del cine uruguayo con proyección internacional.

Sobresale la pareja de directores Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll, primero con 25 Watts (2001), retrato generacional de la juventud y después con Whisky (2004), comedia dramática premiada en Sundance o Cannes, entre otros festivales.

El boom del cine uruguayo está marcado, además de su reconocimiento fuera del país, por la coproducción con otras cinematografías, principalmente Argentina y España y por tanto, por una mejora en las condiciones, así como la introducción de otros géneros.

Miss Tacuarembó de Martín Sastre es toda una golosina cinematográfica

De esta manera, son posibles cintas musicales como Miss Tacuarembó (2010) de Martin Sastre, La casa muda (2010), film de terror dirigido por Gustavo Hernández, con remake norteamericano, cine de animación como Anina (2013) de Alfredo Soderguit o El cuarto de Leo (2009) de Enrique Burchichio, primera cinta de temática gay.

Precisamente, el Festival de cine lgtb de Madrid ha proyectado recientemente dos films uruguayos: Los Modernos (2016) y Las Herederas, en coproducción con Paraguay y otros países, la cual ha conseguido el premio a mejor película en el certamen, habiendo sido galardonada también en Berlín y los Premios Fénix.


Llamadas desesperadas

Escrito por cinefiliacinefilia 22-11-2018 en Estrenos. Comentarios (0)

The Guilty **** (Den skyldige, 2018) DINAMARCA. Estreno: 23 de noviembre.

Desde que ganó el Premio del público en el pasado Festival de Sundance, The Guilty (El culpable) se ha convertido en la película revelación del cine danés del año. Ha sido galardonada en la Seminci de Valladolid con el mejor guión y además ha obtenido las candidaturas de actor, guión y premio Discovery en los Premios del cine europeo, que se entregarán el 15 de diciembre.

Una película pequeña, rodada por completo en un espacio único que representa la sala de trabajo del servicio telefónico de emergencias de la policía, que perfectamente podría ser representada en teatro. Thriller claustrofóbico en el que un oficial recibe la llamada de una mujer que ha sido secuestrada por su marido.

En un obsesivo seguimiento del caso, el agente irá descubriendo la realidad de lo que en principio parece un típico caso de violencia doméstica, dejando helado al espectador, sin que se muestren en ningún momento las imágenes más aterradoras del caso, aunque visualizarlas en nuestra mente pueden resultar tanto o más impactantes, ya que además, de otro modo, podrían haber generado rechazo por su truculencia.

El call center de la policía donde transcurre toda la acción de The Guilty

Esta cinta demuestra que un buen guión y una interpretación creíble son suficientes, sin necesidad de efectos especiales, para atraparnos por completo, por su puesto con la correcta dirección de esos elementos.

El responsable es el debutante, así como prometedor, Gustav Möller que también ha coescrito el guión. El trabajo del actor que lleva todo el peso de la cinta, Jakob Cedergren en una sobria e intensa interpretación, es encomiable.

ESCENA CINEFILIA

El momento en que oímos al policía que llega a la casa donde se encuentra la niña y el descubrimiento que hace es una de las imágenes más perturbadoras de la historia del cine, sin que lleguemos a ver nada en realidad.


DIEZ LLAMADAS DE CINE

Aunque el uso del teléfono en las películas haya estado principalmente ligado al género del thriller y el terror, tenemos ejemplos en dramas como Elígeme de Alan Rudolph o comedias como Perfectos desconocidos de Álex de la Iglesia, por no hablar del cine denominado “de teléfonos blancos” en la cinematografía italiana de los años 30 y 40.

Buried también nos presentaba una tensa situación al teléfono en un espacio único

1.  Voces de muerte (1948)

2.  Crimen perfecto (1954)

3.  Elígeme (1984)

4.  Scream (1996)

5.  Ringu (1998)

6.  Última llamada (2002)

7.  Cellular (2004)

8.  Llamada perdida (2008)

9.  Buried (Enterrado) (2010)

10.  Perfectos desconocidos (2017)


Neorrealismo mágico

Escrito por cinefiliacinefilia 14-11-2018 en Estrenos. Comentarios (0)

Lazzaro feliz *** (Lazzaro felice, 2018) ITALIA. 125 min. Estreno: 9 de noviembre.

Unos campesinos viven en estado de esclavitud en una pequeña aldea controlada por una marquesa, aun en los años 80. A su vez, todos se burlan y se aprovechan de la bondad de Lazzaro. Este hará amistad con el hijo de la cacique, el cual desaprueba el comportamiento de su madre.

Si ya veíamos ecos del Fellini más excesivo en la anterior película de Alice Rohrwacher, El país de las maravillas (2014), en su visión circense de la tele-realidad, con su última película, Lazzaro feliz , la directora nos confirma su gusto por el maestro italiano y el neorrealismo, que en su caso podríamos calificar de mágico.

Aunque también podríamos emparentarla con recientes producciones como Jupiter´s Moon (2017) o Swiss Army Man (2016), donde la ensoñación se junta con la crítica social, Lazzaro feliz nos habla de amistad, de caciquismo rural, del campo y la ciudad, de la libertad y sus consecuencias, de la bondad llevada al extremo de un ángel y de la picaresca, como contrapunto.

Adriano Tardiolo, el protagonista, junto al español Sergi López

Premiada con el mejor guión en Cannes y el Premio especial del Jurado en Sitges. Su protagonista, Adriano Tardiolo, está literalmente en estado de gracia y la cinta además cuenta con las interpretaciones de Alba Rohrwacher, hermana de la directora y de Sergi López, en la segunda parte del film.

ESCENA CINEFILIA

La caída de Lazzaro supone un momento de transición, que dota a la película de ese tono entre onírico y religioso, a pesar de que su autora reivindica la parte realista de la opresión de las clases desfavorecidas.


NUEVO CINE ITALIANO

Aunque es cierto que se puede hablar un declive del cine italiano, con la desaparición de los grandes maestros y la dependencia de la televisión, el siglo XXI ha supuesto la confirmación de nuevos cineastas y una cierta recuperación de su industria a nivel internacional.

Tras Suspiria, Luca Guadagnino ya prepara la continuación de Call me by your name

En este contexto, numerosos directores han iniciado o continuado su carrera en los últimos años a lo largo de todo el país, mientras que otros ya consagrados trabajan todavía creando productos de gran calidad.

Así, entre los primeros, Matteo Garrone (Gomorra), Paolo Sorrentino (La gran belleza), Luca Guadagnino (Call me by your name) han triunfado fuera de sus fronteras, junto a otros autores con mucho por decir como Paolo Virzi (Locas de alegría), Gabriele Mainetti (Le llamaban Jeeg Robot) o la propia Alice Rohrwacher.

En España, éxitos de taquilla italianos como Perfectos desconocidos o Tres metros sobre el cielo han sido objeto de remakes en esta década, con buena acogida.

Entre los directores consagrados tenemos a Bernardo Bertolucci (Tú y yo), los hermanos Taviani (Maravilloso Boccaccio), Nanni Moretti (La habitación del hijo), Marco Tullio Giordana (La mejor juventud), Giuseppe Tornatore (La correspondencia) o Ferzan Ozpetek (El hada ignorante), que mantuvieron un gran nivel en sus nuevas películas.

El país de la pizza ostenta el récord de Oscars a película de habla no inglesa, con un total de 14 estatuillas, aunque en los últimos 18 años, los que lleva este siglo, sólo lo ha ganado en  2013 por La gran belleza de Sorrentino. Sin embargo, más tiempo hace que no gana la Palma de Oro de Cannes, desde 2001 con La habitación del hijo de Nanni Moretti.