CINEFILIA

cine francés

Mr. Bean a la francesa

Escrito por cinefiliacinefilia 16-02-2017 en Estrenos. Comentarios (0)

Manual de un tacaño (Radin!, 2016) ** FRANCIA. 89 min.

El actor cómico Dany Boon, al que hemos podido ver en cintas como Lolo de Julie Delpy o Mimacs de Jean-Pierre Jeunet, también dirige y es doblador de Mr. Bean en Francia. Suponemos que no por casualidad, el personaje que interpreta en esta película guarda algunos paralelismos con el famoso rácano británico nacido en la televisión.

De hecho, podemos decir que lo supera en tacañería o al menos, al encontrarnos con situaciones algo más realistas que en las que se mueve Rowan Atkinson, estas están llevadas al máximo extremo, provocando en ocasiones casi más el drama que la comedia.

La avara personalidad del violinista que interpreta Dany Boom es enfermiza: mide el tiempo que tarda en ducharse, reutiliza las bolsitas de ketchup pasadas de fecha o escapa de sus compañeros de trabajo para no poner dinero en los regalos comunes. Incluso tuvo una hija, por usar condones caducados, que ahora viene a visitarle creyéndole un gran hombre.

La roñosería de Françoise le llevará a las situaciones más inverosímiles

La cinta, que la dirige Fred Cavayé, es su primera comedia, después de haber realizado tres thrillers, aunque ya había tocado el género en la película de episodios Los infieles (2012) junto a otros seis directores, también franceses.

En el fin de semana de su estreno, en su país de origen fue número 1 de la taquilla. En España, se ha retrasado su premiere prevista en un principio para finales del año pasado.

ESCENA CINEFILIA

Indudablemente elegimos la secuencia en la que se homenajea El Resplandor de Stanley Kubrick, de la que podemos ver una imagen en la foto de más arriba.


CINE CÓMICO FRANCÉS

No vamos a ahondar demasiado en el tema pero sí decir que la primera comedia del cine se considera de este país: El regador regado (1895) dirigida por los hermanos Lumière. Entre el burlesque y el slapstick, en ella se ve un jardinero utilizando una manguera de la que no sale agua debido a que un bromista la ha pisado. Cuando el primero se la acerca a los ojos, el bromista levanta el pie.

Jacques Tati en la casa ultramoderna de la película Mi tío, que ganó el Oscar a filme extranjero

Las películas de George Meliès, con sus efectos visuales influidos por la magia también buscaban la risa del espectador, como en esa luna a la que le va aterrizar una nave espacial justo en el ojo de Viaje a la luna (1902). Entre principios del siglo XX y antes de la primera guerra mundial, surge la figura de Max Linder, del que Chaplin se considera su discípulo. Entre sus más de 200 cintas, tiene seis hechas en EEUU e incluso llegó a trabajar con Abel Gance.

Ya en el cine sonoro, sobresalen cómicos como Fernandel, desde los años 30, con su personaje del párroco Don Camilo o Louis de Funès, con una trayectoria amplísima (entre 1945 y 1982), destacando los filmes del Gendarme y de Fantômas. Más o menos de la misma época es Jaques Tati, aunque en su cine prescindiría del diálogo, cuidando sin embargo meticulosamente el sonido. Llegó a ganar un Oscar con Mi tío (1958), segunda película del personaje de Monsieur Hulot que desarrolló en cinco largometrajes.

Últimamente, comedias como La cena de los idiotas (1998) o la saga de Los visitantes (1993-2016) han sido grandes éxitos comerciales, ambas con remakes norteamericanos.



Una tortuga viene a verme

Escrito por cinefiliacinefilia 11-01-2017 en Estrenos. Comentarios (0)

La tortuga roja (La tortue rouge, 2016) *** FRANCIA-JAPÓN. 80 min.

Una historia simple, tanto como el devenir de la vida, sin palabras y de un dibujo básico que nos muestra a un naufrago en una isla donde sólo habitan tortugas, cangrejos y aves y su comunión con la naturaleza.

Tan metafórica como onírica, por momentos, aunque en su mayor parte es hipnótica, en ocasiones nos preguntamos qué es lo que estamos viendo y la respuesta no es más que una esquemática fábula de la vida, sin duda.

Su director, el holandés Michael Dudok de Wit, consiguió hace 16 años el Oscar al mejor corto de animación con “Padre e hija”, una sencilla pieza de 8 minutos que triunfó además en festivales de todo el mundo, a pesar de su hermetismo narrativo, también sin palabras.

Su siguiente trabajo de 3 minutos fue un cortometraje experimental realizado utilizando granos de té “The Aroma of Tea” (2006), que no tuvo la misma repercusión. Ahora, da el salto al largometraje en esta coproducción franco-nipona donde ha colaborado el famoso Studio Ghibli que fundó Hayao Miyazaki.

A pesar de estar un poco sobrevalorada (ha sido muy mimada en festivales como Cannes, Donostia o Gijón), entretiene en general y nos muestra la belleza de lo sencillo en un dibujo 2D. Aunque por otro lado, tampoco lo podemos considerar un anime, siendo la primera cinta que el estudio japonés produce fuera de su país. 

ESCENA CINEFILIA

El enfrentamiento con la tortuga nos mantiene en vilo desde que se queda quieta hasta que reacciona para sorpresa de todos.

Totoro, imagen del estudio de animación japonés.

TOP 8 STUDIO GHIBLI

  1. La princesa Mononoke
  2. El cuento de la princesa Kaguya
  3. El castillo en el cielo
  4. Mi vecino Totoro
  5. La tumba de las luciérnagas
  6. El viaje de Chihiro
  7. Nicky, la aprendiz de bruja
  8. El castillo ambulante



Lo mejor de 2016

Escrito por cinefiliacinefilia 04-01-2017 en Lo mejor 2016. Comentarios (0)

PUESTO NÚMERO 3

Violencia de géneros

Elle (2016) **** FRANCIA. 130 min.

El regreso al cine de Paul Verhoeven, después de diez años, supone la que quizás sea su mejor película. Un elaborado thriller erótico que aunque está basado en una novela de Philippe Djian (Betty Blue) parece escrito especialmente para Isabelle Huppert, actriz que borda un complejo personaje.

La hija de un asesino múltiple, que dirige una empresa de videojuegos, es violada en repetidas ocasiones, aun después de conocer la identidad de su agresor. Se trata de una mujer fría y fuerte, con miles de traumas y sin pelos en la lengua, que despierta antipatías y deseos y que por otro lado vive su sexualidad abiertamente, sin respetar a las parejas de amigos o vecinos.

Un filme noir al estilo de los de Claude Chabrol, pero donde los espíritus de Haneke o Hitchcock sobrevuelan por sus fotogramas, no pudiendo dejar de acordarnos de “Crimen perfecto”. Se agradece lo poco, por no decir nada, políticamente correcto que es, motivo por el cual parece que actrices como Nicole Kidman, Sharon Stone o Julianne Moore rechazaron el papel protagonista. 

Michelle mantendrá una peligrosa y desconcertante relación con su vecino Patrick (Laurent Lafitte)

Personajes con múltiples capas y matices que no dejan claras sus verdaderas intenciones y que incluso pueden parecer contradictorios, personajes torturados y reales que huyen de los estereotipos de bondad y maldad pululan por la trama de este retorcido filme.

Desde luego que también hay un fino humor negro en la cinta, reflejado en el niño de color o en que el agresor trabaje en la banca, entre otros muchos toques. Cinta tan intensa como brutal y provocativa que le ha costado la nominación al Oscar como película extranjera por su trasgresión, aunque no así a los Globos de oro -donde también han seleccionado a la descomunal Isabelle Huppert- o en los Goya.

ESCENA CINEFILIA

Aunque hay varias secuencias para el recuerdo, la masturbación de la protagonista, Michelle o cuando esta le pide a su empleado que le enseñe sus genitales no puede dejar indiferente a ningún espectador.

Isabelle Huppert pide a su empleado que le muestre sus partes para saber si es quien le ha violado.


Pasiones culpables

Escrito por cinefiliacinefilia 22-12-2016 en Estrenos. Comentarios (0)

Frantz (2016) **** FRANCIA. 113 min.

A partir de la película “Remordimiento” (Broken Lullaby, 1932), uno de los pocos films dramáticos de Ernest Lubistch, François Ozon la reinventa, añadiendo una continuación a modo de secuela. Esto permite al realizador francés homenajear al director de “Ser o no ser” y a la vez dar rienda suelta a su creatividad ya que el guión es obra suya en colaboración con Philippe Piazzo.

A pesar de tratarse de un remake y quizás debido a lo olvidada y lejana en el tiempo que se encuentra la cinta original, Ozon mantiene gran parte del tiempo el misterio de los verdaderos motivos que llevan al joven francés protagonista a la Alemania inmediata al final de la I Guerra Mundial, con lo cual no vamos a desvelarlos aquí, ya que el desconocimiento de aquella hace más interesante el nuevo filme.

Sin duda una de las películas más redondas de François Ozon, rodada en un exquisito blanco y negro que concede a la cinta un tono vintage y a la vez expresa la tristeza de los personajes con los grises que en ocasiones se tornan en colores, dando asueto a los moral y sentimentalmente destruidos personales.

Marie Gruber, Pierre Niney, Paula Beer y Ernest Stötzner, el cuarteto protagonista.

El afeminado y sensible Pierre Niney (Yves Sant Laurent) da una vuelta de tuerca al torturado ex soldado dando una dimensión nueva al personaje que en ocasiones parece como si estuviera enamorado del objeto de su obsesión, creando una interpretación diferente –y posible- a toda la historia.

Por otro lado, la alemana Paula Beer, que consiguió en Venecia el premio a la mejor actriz novel, se mueve entre pasiones contradictorias, a la vez que el fantasma de su prometido no la deja avanzar en la vida, componiendo un personaje con múltiples matices.

LA ESCENA

A pesar de que juega con el engaño al espectador en todo momento, la escena en el Louvre con el cuadro de El suicida de Manet parece no dejar lugar a la duda…

Estreno: 30 diciembre

El suicida del impresionista Eduard Manet


CINE EN BLANCO Y NEGRO EN EL SIGLO XXI

Prácticamente no hay director que se precie que no haya trabajado la fotografía en blanco y negro en una o más películas, cuando el color ya se había impuesto en el cine. Así, autores como Woody Allen, David Lynch, Francis F. Coppola, Martin Scorsese, Steven Spielberg, Jim Jarmusch, Peter Bogdanovich, Kevin Smith, Tim Burton y hasta Mel Brooks concebían sus mejores trabajos en tonos grises, en los últimos años del siglo XX.

Metidos ya en este siglo, tenemos ejemplos de algunos de estos mismos y otros realizadores en todo el mundo, que han llegado a hacer cine de animación sin colores e incluso películas mudas al más puro estilo años 20.

Las cintas, también llamadas monocromas –aunque algunas incluyen algunos colores- son tan abundantes a día de hoy que hemos hecho esta lista que supera los 25 títulos, sólo en este siglo. Si te ocurre alguna más, añádela en los comentarios. Se agradecerá.

Sin City: A Dame to Kill for (2014) Roberto Rodríguez, Frank Miller.

Güeros (2014) Alonso Ruizpalacios

Nebraska (2013) Alexander Pyne

Ida (2013)Pawel Pawlikowski

Los ilusos (2013) Jonás Trueba

Frances Ha (2012) Noah Baumbach

Tim Burton reconstruyó un cortometraje propio en stop motion y B&W en 3D, en “Frankenweenie”

Frankenweenie (2012) Tim Burton

The Artist (2012) Michel Hazanavicius

Blancanieves (2012) Pablo Berger

El artista y la modelo (2012) Fernando Trueba

Oh Boy (2012) Jan Ole Gerster

Keyhole (2011) Guy Maddin

La cinta blanca (2009) Michael Haneke

Tetro (2009) Francis F. Coppola

Independencia (2009) Raya Martin

Peur(s) du noir (2007) Blutch, Charles Burns, Marie Caillou, Lorenzo Mattoti …

Persépolis (2007) Marjane Satrapi, Vicent Paronnaud

Scoot McNairy protagoniza “Buscando un beso a medianoche”, comedia mumblecore

Buscando un beso a medianoche (2007) Alex Holdridge

El buen alemán (2006)Steven Soderbergh

Buenas noches y buena suerte (2005) George Clooney

13 Tzameti (2005) Géla Babluani

Sin City (2005) Roberto Rodriguez, Frank Miller, Quentin Tarantino.

Temporada de patos (2004) Fernando Eimbcke

Café y cigarrillos (2003) Jim Jarmusch

Dracula: Pages From a Virgin's Diary (2002) Guy Maddin

El hombre que nunca estuvo allí (2001) Hnos Coen

The American Astronaut (2001) Cory McAbee

You´re the one (una historia de entonces) (2000) José Luis Garci


El discreto encanto de la madurez

Escrito por cinefiliacinefilia 23-09-2016 en Estrenos. Comentarios (0)

El porvenir (L´avenir, 2016) *** FRANCIA. 100 min.

Una película más, vista en San Sebastián. El retrato de la madurez de una profesora de filosofía que afronta el devenir de la vida, sin dramas. Las protestas juveniles entre su alumnado, problemas con la editorial donde publica, infidelidad del marido, aguantar a una madre con depresión, fría relación con sus hijos, con los que no acaba de conectar.

Sin embargo, dentro de este poco afectuoso entorno hay un alumno por el que siente especial simpatía, la cual es mutua. Sin insinuarse si quiera nada sexual entre ellos, su amistad será crucial para soportar estoicamente las consecuencias de ese hostil entorno.

Isabelle Huppert, que la semana que viene estrenará la aclamada en Cannes “Elle” de Paul Verhoeven -proyectada también en Donostia- interpreta a esta mujer como quien no quiere la cosa, impregnándola por completo de su personalidad, sin ningún tipo de amaneramiento actoral ni excesos, de una manera tan natural que atrapa al espectador en un argumento que en otras manos podría haberse convertido en un melodrama maniqueo. El reverso de la mujer almodovariana. Una mujer que llora en silencio, sin estridencias.

Isabelle Huppert y Edith Scob son hija y madre en “El porvenir”

Roman Kolinka (en la foto) como el atractivo alumno hippie y André Marcon como el marido infiel, acompañan principalmente a la sufrida protagonista como dos polos opuestos de su cultivado entorno. También tiene un destacado papel Edith Scob (Holy Motors) como la madre que continuamente llama la atención.

Mia Hansen-Løve, esposa de Olivier Assayas, este año ganó el Oso de plata en Berlín a la mejor dirección por esta película. También guionista de sus films y actriz en sus comienzos, en películas de su marido, a quien conoció trabajando para la revista Cahiers du Cinéma.

LA ESCENA

Los breves momentos de llanto de la protagonista expresan perfectamente lo que Victoria Abril dice en el último documental sobre Almodóvar para TVE: “Las chicas somos más capaces de decir una cosa, pensar otra, sentir otra...”


IMPARABLE ISABELLE HUPPERT

Actriz francesa que ha hecho películas en todo el mundo y con los mejores directores, principalmente europeos. Tiene muchas posibilidades de llevarse la Concha de plata a la mejor actriz en San Sebastián, donde ha presentado dos filmes este año. Comenzó su carrera a principios de los setenta, trabajando a lo largo de ella junto a Romy Schneider, Yves Montand, Jeanne Moreau, Gerard Depardieu, Jean-Louis Trintignant, Catherine Denueve o Louis Garrel, entre otros, en Francia y fuera con Marcelo Mastroianni, Joseph Cotten, Jacqueline Bisset, Peter O´Toole, Mickey Rourke, Jeff Bridges,  Dustin Hoffman, Jude Law, Naomi Watts, Colin Farrell o Jeese Eisenberg.

“La pianista” dejó a más de uno con la boca abierta.

Musa indiscutible de Claude Chabrol, protagonizando siete de sus películas, estrenará el año que viene, la nueva de Michael Haneke (Happy End), autor con quien ya ha colaborado en dos ocasiones. Además de directores franceses como Bertrand Tavernier, Jean-Luc Godard, André Téchiné o François Ozon, polacos como Andrzej Wajda, italianos como Los hermanos Taviani o Marco Ferreri,  americanos como Joseph Losey, Otto Preminger o Michael Cimino , holandeses Paul Verhoeven o coreanos como Hong Sang- Soo.

Actualmente está considerada como una de las mejores actrices en el mundo, si no la mejor. Una selección de diez de sus interpretaciones más recordadas es una pequeña muestra entre los más de 130 papeles que ha realizado hasta la fecha entre cine y televisión.

Las hermanas Brontë, 1979. André Téchiné

La puerta del cielo, 1980. Michael Cimino

Sálvese quien pueda, 1980. Jean-Luc Godard

Falso testigo, 1987. Curtis Hanson

Madame Bovary, 1991. Claude Chabrol

Amateur, 1994. Hal Hartley

No va más, 1997. Claude Chabrol

La pianista, 2001. Michael Haneke.

Ocho mujeres, 2002. Françoise Ozon

La desaparición de Eleanor Rigby, 2004. Ned Benson