CINEFILIA

Cine asiático

Una película redonda

Escrito por cinefiliacinefilia 09-03-2017 en Estrenos. Comentarios (0)

Yo no soy Madame Bovary (我不是潘金莲/ Wo bu shi Pan Jinlian, 2016) *** CHINA. 128 min.

Con seis meses de retraso, llega la ganadora de la Concha de oro a mejor película en el pasado Festival de San Sebastián. Desde luego se trata de una original cinta del director chino Feng Xiaogang, en activo desde mediados de los 90, con una quincena de películas en su haber. Partiendo ya del formato circular del encuadre, creando la sensación de distancia de un catalejo, que en ocasiones cambia a cuadrado.

Aunque no queda ahí la cosa, el argumento raya lo absurdo, como en ocasiones puede llegarnos a parecer la burocracia y las normas legales, así como quienes las dictan. La historia está basada en una novela propia del guionista, Liu Zhenyun, I did not kill my husband, que bajo el prisma del humor cuenta una dramática historia sobre la ley de sólo poder tener un hijo, que existe en China.

Una joven litiga durante diez años en los juzgados para que al menos escuchen su patética historia. Tras divorciarse de su marido, en teoría para conseguir un apartamento, este se casa con otra mujer. Lo que pide a los jueces es que declaren nulo ese falso divorcio para divorciarse nuevamente por motivos reales.

Fang Bingbing clava un personaje atormentado, con un plan preconcebido de venganza

La criticada explicación final de la protagonista torna la cinta en puro drama y la pantalla se vuelve completa, no siendo más que otra manera de dar una vuelta de tuerca, al igual que con el guión, liberando el celuloide retorcido.

La convincente interpretación de su protagonista femenina Fan Bingbing, le valió en San Sebastián a la cinta un segundo premio, la Concha de plata a mejor actriz. Y desde aquí,  también destacamos la evocadora música del filme de Wei Du.

Como se puede imaginar el cambio de título del original, Yo no soy Pan Jinlian a Yo no soy Madame Bovary es debido a lo desconocido que puede resultar el nombre de una femme fatale de la literatura china del siglo XVII, traducible por Madame Bovary, en Occidente.

SECUENCIA CINEFILIA

Momento en que ocurre nuestra secuencia cinefilia

Aunque la cinta no para de sorprendernos, hay un diálogo que se nos ha quedado grabado tras el visionado de la cinta por sus connotaciones tan obviamente machistas pero que en la película cobran otro sentido. Ella: “¿Sabes que lo que hiciste anoche está mal? Me violaste”. Él: “¿Te gustó?”

CONCHA DE ORO

La Concha de Oro es la mayor distinción que se concede en el Festival de cine de San Sebastián cada año a la mejor película. Aunque también se han entregado dos honoríficas, en 1981 a Luis Buñuel y en 2007 a Carlos Saura.

España y EEUU son los dos países que más veces la han conseguido, la primera en 15 ocasiones y la segunda en 12. Las siguientes son Francia e Italia, seguidas a mucha distancia por México. China es la primera vez que lo consigue con una producción completamente del país, la otra vez fue con la coproducción con Hong Kong, Ciudad de vida y muerte, en 2009.

Magical girl, recibió la Concha de oro y la de plata para su director Carlos Vermut.

En España han destacado los premios a Magical girl (2014), Los lunes al sol (2002), Días contados (1994), Alas de mariposa (1991), Furtivos (1975) o El espíritu de la colmena (1973), así como la argentina Un lugar en el mundo (1992) con José Sacristán. Manuel Gutiérrez Aragón e Imanol Uribe se han llevado la Concha en dos ocasiones.

El rostro impenetrable (1961), América, América (1964), Dos en la carretera (1967), Badlands (1974) o La ley de la calle (1984), son ejemplos de producciones norteamericanas ganadoras, siendo Coppola, con esta cinta, el último autor americano en conseguirla. Aunque el ruso Andréi Konchalovski y el hongkonés Wayne Wang se han llevado la Concha para este país en 1989 y en 2007, por última vez.

En Europa, destacan  las francesas En la casa (2012), No va más (1997) y La rodilla de Clara (1973), de François Ozon, Claude Chabrol y Eric Rohmer, respectivamente.


La saga The Ring (El Círculo)

Escrito por cinefiliacinefilia 09-02-2017 en Horrorfilia. Comentarios (0)

Una sirvienta rompe por accidente un plato de una valiosa vajilla de porcelana de una decena. Su cruel y violento amo monta en cólera por ello. La ata y la golpea y cada día le corta un dedo. Esta, agonizante, logra escapar y se tira a un pozo para ahogarse. Desde ese día, cada noche una voz sale del pozo contando hasta nueve platos y luego se echa a llorar.

Esta leyenda de fantasmas japonesa titulada “La casa del plato en Bansho” dio pié a Koji Suzuki para escribir la novela de terror Ringu, gran éxito editorial en 1991 que cuatro años más tarde fue adaptado al medio televisivo en la película Ringu: Jiko ka! Henshi ka! 4-tsu no inochi wo ubau shôjo no onnen (1995).

Cuatro jóvenes que estuvieron juntos en una casa rural mueren en diferentes partes de Tokio, el tío de uno de ellos, periodista, investigará sus muertes, encontrando una cinta en la cabaña, con un aviso de muerte para sus espectadores.

Terrorífica imagen de Sadako saliendo del televisor, que aparece al final de The Ring (El círculo)

En 1998, dos largometrajes para cine salían a la luz. The Ring (El círculo) y Rasen (Ring: The Spiral), estrenadas el mismo día. La primera, que fue la que tuvo gran éxito, estaba dirigida por Hideo Nakata, que también dirigió su secuela, The Ring 2 (1999). Ambas desarrollaban la historia de la periodista Reiko, que investiga unas misteriosas muertes provocadas por la visión de una cinta de vídeo.

La segunda, Rasen, era una precuela en realidad, tanto del telefilme Ringu (más fiel a la novela) como de The Ring, ya que contaba la historia de Sadako, la joven del pozo que aparece en el vídeo maldito.

Un año después, el mismo en que aparecía la citada secuela, se cuenta con el autor de la novela para una serie de televisión nipona, The Ring: The Final Chapter (1999). Suzuki vuelve al argumento inicial donde el periodista de la novela, Asakawa, investiga la muerte de cuatro chicas que vieron la cinta. Contó con 12 episodios de una hora aproximadamente de duración.

Sadako, en las versiones de Hideo Nakata y Samara, en la secuela americana

Pero no acaba aquí la cosa, en Corea del Sur también ese mismo año se realiza una versión, The Ring Virus (1999). Y nuevamente, se nos vuelve a contar la historia de Sadako en otra precuela japonesa: Ring 0. Birthday (2000), escrita por Suzuki, al igual que Rasen.

Cuando la saga parecía agotada, entra Hollywood en escena adaptando la primera película de cine en The Ring: La señal (2002), realizada por el director de otra saga, la de Piratas del Caribe, Gore Verbinski, en coproducción con Japón y con Naomi Watts al frente del reparto.

Y tres años después, se contrata a Hideo Nakata, autor de las dos primeras cintas japonesas, para dirigir la secuela americana The Ring 2 (La señal 2) (2005), nuevamente con Naomi Watts, acompañada de Sissy Spacek y Emilie VanCamp. Por cierto, añadir que esta última actriz protagoniza también un cortometraje entre medias de una y otra, Señales (Rings, 2005).

Naomi Watts en la versión americana de The Ring 2

A esto hay que añadir la parodia de que es objeto este reutilizado argumento en la tercera parte de la saga cómica de David Zucker, Scary Movie 3 (2003), donde Kevin Smith intervino en el guión y el personaje de Brenda, la chica afro, se encaraba a Sadako a patadas.

A principios de la década parece haberse despertado la chica del pozo, ahora en vídeos de internet, protagonizando tres secuelas: Sadako 3D (2012) y Sadako 3D 2 (2013), ambas de Tsutomu Hanabusa, adaptador de mangas a películas live-action.

Así como Sadako vs. Kayako (2016), cruzando los universos de The Ring y La maldición (The Grudge) de la que su creador Takashi Shimizu llegó a realizar hasta seis largometrajes, incluido el remake norteamericano, siendo este crossover la número 12 de esta otra saga.

La niña del pozo en la última cinta del universo Ringu

Aunque Dreamwoks abandona el proyecto, BenderSpink, su aliada en las dos anteriores versiones americanas insiste con una secuela más distribuida por Paramount, Rings (2017), dirigida por el español F. Javier Gutiérrez, que ya ha sido calificada de innecesaria tras su estreno en EEUU y que ahora llega a España.

De esta manera, se convierte en la undécima película de la saga, sin contar el primer telefilme ni la serie de TV, amén del corto. Incluyendo dos secuelas, dos precuelas, tres remakes y tres spin off.



Mientras tanto en Japón…

Escrito por cinefiliacinefilia 18-01-2017 en Estrenos. Comentarios (0)

Shin Godzilla (シン・ゴジラ/ Shin Gojira, 2016) *** JAPÓN. 120 min.

Desde que en 1954 se estrenara el primer largometraje de esta recurrente bestia de la mitología cinematográfica nipona, Japón bajo el terror del monstruo, se cuentan por decenas las películas sobre esta mezcla de ballena y gorila. Sólo en Japón se pueden encontrar hasta 30, con la próxima versión de animación. Sin embargo, en Shin Godzilla es la primera vez que no se utiliza la técnica tokusatsu, de utilizar a un actor dentro de un disfraz.

La cinta nos muestra la reacción de los altos cargos antes siquiera que al propio monstruo, que en un principio vemos en modo culebra con patas, antes de sus mutaciones para adaptarse a la ciudad. Los protagonistas son los que gestionan qué hacer con el bicho tanto desde Japón, como de EEUU y otras partes del mundo.

Una crisis en toda regla que los ministros que van quedando tendrán que solucionar ante la presión de otras potencias que también pueden verse amenazadas ante los superpoderes invencibles de Godzilla, que está arrasando la capital nipona a un ritmo desenfrenado.

La imagen del Godzilla premutación nos recuerda a una marioneta japonesa de las celebraciones.

Sus directores vienen del mundo del anime. Hideaki Anno, también guionista, es responsable de la saga Evangelion y Shinji Higuchi, que se ha encargado de los live action de Ataque de titanes, interviene también como director de los efectos visuales.

Entretenida y frenéticamente demoledora, la cinta sabe aunar y explicar las diferentes teorías sobre el famoso monstruo, así como poner al día la franquicia.

ESCENA CINEFILIA:

Los errores cometidos por los altos ministros en una situación de crisis hace evidente que los políticos son igual en cualquier sitio.


Terra Formars (テラフォーマーズ, 2016) *** JAPÓN. 113 min.

La base de este último filme del prolífico Takashi Miike  -más de dos películas al año- es un manga de igual título creado en 2011, que posteriormente fue adaptado al anime en dos series de televisión: Terra Formars (2014) y Terraformars Revenge (2016).

En el siglo XXI la humanidad comenzó el proceso de terraformación de Marte enviando musgo y cucarachas para que generaran una atmosfera respirable. Pasados 500 años, una quincena de personas, elegidas entre lo peor de la sociedad, son enviadas para acabar con las cucarachas que han evolucionado hasta convertirse en humanoides de gran fuerza.

El propio autor del manga, Yu Sasuga, se ha encargado del guión. Una excelente película de aventuras en Marte, que aunque tiene poco que ver con las historias de Philip K. Dick, entretiene e incluso recaba en las motivaciones de los personajes para aceptar tal misión, tan asesina como suicida, ya que además sus cuerpos han sido preparados para mutar en diferentes insectos para luchar contra las cucarachas.

La cinta puede que no sea muy recomendable si se tiene fobia a las cucarachas

Imaginativo argumento que no pierde credibilidad en su traslación al live action, aunque las antenitas en la cabeza pueden causar hilaridad, sobretodo en espectadores no asiáticos.

ESCENA CINEFILIA

El descubrimiento de que las cucarachas no son tales es realmente sorpresivo, para quien vaya “virgen” a ver la película, no así si se ha leído el manga o visto el anime.


Una tortuga viene a verme

Escrito por cinefiliacinefilia 11-01-2017 en Estrenos. Comentarios (0)

La tortuga roja (La tortue rouge, 2016) *** FRANCIA-JAPÓN. 80 min.

Una historia simple, tanto como el devenir de la vida, sin palabras y de un dibujo básico que nos muestra a un naufrago en una isla donde sólo habitan tortugas, cangrejos y aves y su comunión con la naturaleza.

Tan metafórica como onírica, por momentos, aunque en su mayor parte es hipnótica, en ocasiones nos preguntamos qué es lo que estamos viendo y la respuesta no es más que una esquemática fábula de la vida, sin duda.

Su director, el holandés Michael Dudok de Wit, consiguió hace 16 años el Oscar al mejor corto de animación con “Padre e hija”, una sencilla pieza de 8 minutos que triunfó además en festivales de todo el mundo, a pesar de su hermetismo narrativo, también sin palabras.

Su siguiente trabajo de 3 minutos fue un cortometraje experimental realizado utilizando granos de té “The Aroma of Tea” (2006), que no tuvo la misma repercusión. Ahora, da el salto al largometraje en esta coproducción franco-nipona donde ha colaborado el famoso Studio Ghibli que fundó Hayao Miyazaki.

A pesar de estar un poco sobrevalorada (ha sido muy mimada en festivales como Cannes, Donostia o Gijón), entretiene en general y nos muestra la belleza de lo sencillo en un dibujo 2D. Aunque por otro lado, tampoco lo podemos considerar un anime, siendo la primera cinta que el estudio japonés produce fuera de su país. 

ESCENA CINEFILIA

El enfrentamiento con la tortuga nos mantiene en vilo desde que se queda quieta hasta que reacciona para sorpresa de todos.

Totoro, imagen del estudio de animación japonés.

TOP 8 STUDIO GHIBLI

  1. La princesa Mononoke
  2. El cuento de la princesa Kaguya
  3. El castillo en el cielo
  4. Mi vecino Totoro
  5. La tumba de las luciérnagas
  6. El viaje de Chihiro
  7. Nicky, la aprendiz de bruja
  8. El castillo ambulante



Primeros estrenos de 2017

Escrito por cinefiliacinefilia 04-01-2017 en Estrenos. Comentarios (0)

Un viaje de muerte

Train to Busan (부산행/ Bu-san-haeng, 2016) **** COREA DEL SUR. 118 min.

“Train to Busan” es una melodramática película de acción trepidante y zombies. Zombies de los que corren y con algunas especiales características, como que se quedan ciegos a oscuras y saben abrir puertas. Son ese tipo de zombies que pone muy nervioso porque se mueven muy deprisa y tienen gran ímpetu, nada que ver con los torpes infectados de “The Walking Dead” que sus protagonistas tienen ya tan controlados.

Otra diferencia con los habituales muertos vivientes es que aquí sí que sabemos más o menos como han surgido, amén de que los animales también pueden contraer el virus. Sin embargo, no es esto lo que más llama la atención en esta cinta.

 Todo ocurre en un tren que se dirige de Seúl a Busan, localidad donde se encuentra la madre de una niña que viaja en el tren, a la que acompaña su padre, para celebrar el cumpleaños de la pequeña. De hecho, por su tono dramático, ya ha sido comparada con “Lo imposible”.

Yoo Gong abraza a su hija en la ficción Soo-an Kim, de espaldas.

Y además también podemos ver ella una radiografía de cómo se comportan los seres humanos en situaciones de peligro e incluso más aún, una parábola de la sociedad de la crisis donde cada uno va a salvarse a uno mismo, o al menos unos más que otros.

Un filme que angustia y apasiona a partes iguales, a ritmo frenético y que está batiendo records de espectadores en todo el mundo, desde que fue presentada en Cannes, tras lo cual fue también estrenada en EEUU, este verano. En España, se ha podido ver en Sitges (mejor dirección y efectos especiales) e incluso en la Filmoteca española, como parte de la muestra anual de cine coreano.

Su director y guionista, Yeon Sang-ho, viene del mundo de la animación. “Train to Busan” es su primer largo en live-action. En 2013, pudimos ver su crítica al credo y a la religión en “The Fake” y este mismo año también proyectaba en Sitges otra de zombies, “Seoul Station”, una especie de precuela animada de la que nos ocupa.

SECUENCIA CINEFILIA

Desgraciadamente vemos que a pesar de la falta de humanidad del hombre que va trajeado, o debido a ello, consigue salvarse de las situaciones más peligrosas, siempre echando a otro a las fieras, claro está, como lo hacen nuestros gobernantes más intocables.


Liberad al monstruo

Monster Trucks (2016) ** EEUU. 104 min.

Película juvenil de criaturas que son perseguidas por los adultos y cuyo protagonista adolescente pretende salvar tras hacerse su amigo. Podría ser el argumento de “Gremlins” o “E.T.”, sólo que en este caso las criaturas no son mágicas ni extraterrestres. Más bien son intraterrestres, ya que una compañía energética, excavando en busca de petróleo, ha dado con una zona acuífera donde viven estos seres con inteligencia, fuerza y más patas que un pulpo.

Hasta aquí todo bien, pero en ocasiones echar demasiados ingredientes a una ensalada la sobrecarga y estropea. La cinta está llena de tópicos: por un lado, el joven es de una zona rural y quiere huir de allí, además es el rarito del colegio pero lo suficientemente atractivo como para que una chica le persiga y un gordito pretenda ser su amigo (esto parece más bien sacado de “Footloose”).

Sin embargo, la gota que colma el vaso es que su deseo de tener una camioneta se vea colmado gracias a su nuevo amigo, el “pulpo” sonriente que come petróleo en estado puro y que hará de motor para su automóvil sacado de un desguace. Como se puede comprobar la mezcla de despropósitos no tiene límites.

Lucas Til, que puede que haya destrozado su carrera interpretando al nuevo McGyver, se había dejado ver en la primera generación de X-men y salva el papel lo mejor que puede acompañado de unos forzados Danny Glover y Rob Lowe. En cuanto a su director, Chris Wedge, como en el caso anterior viene de la animación, salvando las distancias, con títulos como “Robots” y la desconocida “Epic. El mundo secreto”.

Puede hacer las delicias entre los amantes de películas serie Z de videoclubs ochenteros y quizás los niños pueden pasar un buen rato, aunque yo la veo más propia del festival Cutrecon, que celebrará su sexta edición próximamente en Madrid.

SECUENCIA CINEFILIA

Puede que si hay algo que recordaremos, si es que llegamos a pensar en esta película, sea la persecución por los tejados, en camioneta.