CINEFILIA

Cine asiático

Universo Ghost in the Shell

Escrito por cinefiliacinefilia 28-03-2017 en Cómic. Comentarios (0)

Dado que Paramount Pictures, distribuidora de la versión live action de Ghost in the Shell, ha pedido expresamente a los medios que no se publicara nada sobre este reboot hollywoodiense hasta la noche del jueves previo a su estreno, este viernes 31 de marzo, para calentar motores vamos a ir ubicándola en su universo.

Ghost in the Shell (攻 殻 機 動 隊 /Kōkaku Kidōtai) inicialmente es un manga seinen (para mayores de 16 años) publicado entre mayo de 1989 y noviembre de 1990. En España, se editó bajo el título de Patrulla Especial Ghost, en referencia a la Sección 9 de la policía de seguridad pública, de cuyas acciones trata principalmente su trama.

Con motivo del estreno de la cinta que ahora se estrena, Planeta DeAgostini relanzará el cómic bajo el título The Ghost in the Shell, añadiendo el artículo al título y con dos páginas censuradas, donde aparece un momento lésbico, a petición expresa de su autor, no sin cierta polémica.

Su autor, Masamune Shirow, desarrolla un argumento de ciencia ficción y thriller policíaco, dentro del cyberpunk, al igual que en otras obras suyas como Appleseed o Dominion Tank Police, también llevadas al cine.



Al manga original le siguen otros dos del mismo autor publicados entre los años 1991 y 1997, más una serie posterior de cuatro, escritos por Junichi Fujisaku, que funcionan a modo de precuela: Ghost in the Shell: Arise, que empezó a publicarse en 2013 y aún en activo.

En 1995, Mamoru Oshii (Patlabor, The Sky Crawlers) se encargó de la adaptación cinematográfica en anime, centrándose en los capítulos 9 (Bye, bye, Clay) y 11 (Ghost Coast) del primer manga, convirtiéndose en una obra de referencia del cyberpunk, compartiendo elementos con cintas de este subgénero como Blade Runner.

En ella, los protagonistas centrales del cómic, la Mayor Motoko Kusanagi (cyborg con alma humana) y el agente Batou, con el resto de la Sección 9, se enfrentan a un hacker informático conocido como el Titiritero, que piratea sistemas completos, entidades robóticas e incluso el ghost (o alma) de sus víctimas.

Arakami, el jefe de la sección 9, Kusanagi y Batou en Stand Alone Complex

A esta primera película siguió un anime en formato serie de televisión titulada Stand Alone Complex, de dos temporadas emitidas entre 2002 y 2005 que dio lugar a dos películas y un OVA, que resumían las tramas de la serie en la que Mamoru Oshii, inmerso en la dirección de la segunda película para cine, Innocence, sólo colaboró en el guión. También sigue a la organización de fuerzas especiales Sección 9, al frente de la cual está la mayor Kusanagi.

Ghost in the Shell II: Innocence se estrenó en 2004. Escrita y dirigida por Oshii, no se trata de una secuela o continuación sino que pertenece al mismo universo y en la que se prescinde del personaje de Kusanagi, tomando el protagonismo Batou, que investiga una serie de asesinatos y posteriores suicidios de robots sexuales. Fue presentada en el Festival de Cannes.

Las tramas de la serie Stand Alone Complex se cerraban en el OVA Solid State Society (2006), situando la acción en 2034, dos años después de que Kusanagi abandonara la sección 9, en la que Batou se la reencontrará durante la investigación del hacker aquí llamado el Marionetista.

Kusanagi y Batou, rediseñados en la precuela The Rising

En 2013 se produjeron un conjunto de cuatro OVAs, Ghost in the Shell: Arise, a partir del manga homónimo, que se acabaron remontando en una serie para televisión añadiendo un quinto OVA, emitidos en 10 episodios que daban paso argumentalmente a la película Ghost in the Shell: The Rising (2015) dirigida por Kazuya Nomura. En todas ellas la acción se sitúa en 2027, dos años antes de la primera cinta, donde está todo el equipo de la sección 9, con cambios en el diseño de los personajes.

A esto hay que añadir que en 2008 se hizo una versión remasterizada de la cinta de 1995 bajo el título de Ghost in the Shell 2.0, añadiendo imágenes y elementos CGi (3D), así como un re doblaje adaptando términos coloquiales y la jerga informática a la actualidad y la  remasterización de toda la banda sonora.

Además existen cuatro videojuegos que completan el universo GITS.

INSPIRACIÓN E INFLUENCIAS POSTERIORES

Ghost in the Shell bebe del universo futurista de William Gibson desarrollado en la Trilogía del Sprawl (1984-88), conocida también como Trilogía de Neuromante, del ciberespacio o de la matriz, al que también pertenecen otras historias cortas suyas como Johnny Mnemonic.

Imagen de The Animatrix, que completaba la trilogía de las Wachowski

Sin embargo, sus raíces más profundas, además del propio título, las podemos encontrar en The Ghost in the Machine (1967) de Arthur Koestler, libro de filosofía psicológica cuyo título fue acuñado por el filósofo Gilbert Ryle para describir el relato cartesiano dualista de la relación mente-cuerpo.

Además de influencias estéticas, también hay similitudes argumentales con la película Blade Runner y su origen literario en la novela de Philip K. Dick en la que se basó pero a su vez, la cinta japonesa también influyó en obras posteriores como Inteligencia artificial de Steven Spielberg y sobre todo y como llegaron a reconocer las hermanas Wachowski, en su trilogía The Matrix.


De nombre Héroe

Escrito por cinefiliacinefilia 20-03-2017 en Cómic. Comentarios (0)

I am a Hero (アイアムアヒーロー /Aiamuahīrō, 2015) *** JAPÓN. 125 min.

Aunque podemos pensar que I am a Hero es una película más de zombies, la particularidad que tiene es que está basada en un manga homónimo de éxito de Kengo Hanazawa, que empezó a publicarse en 2009 y terminó en febrero de este año.

Otra de las diferencias que marcan esta cinta son las espectaculares transformaciones de los infectados, no en balde los efectos especiales fueron galardonados en el Festival de Sitges de 2015,llevándose además el premio del público. A parte, los convertidos conservan ciertos tics de su vida pasada, repitiendo acciones e incluso palabras.

A esto hay que añadir el humor de algunas secuencias y que el protagonista sea un dibujante de manga que pasados los 30, no ha llegado a triunfar en su profesión y su novia le echa de casa. Ella será la primera en convertirse y él acabará con una jovencita de instituto a medio convertir.

Masami Nagasawa, Kasumi Arimura, Yô Ôizumi y Yoshinori Okada

Para terminar, los zombies aquí reciben el nombre de ZQN (zokyun), comportándose una vez infectados como trabajadores obsesivos en referencia a esa gente que no vive nada más que para el trabajo, tan populares sobre todo en países como Japón.

El director, Shinsuke Sato, es un habitual adaptador de mangas a películas live action, entre otras ha realizado las de Gantz o Death Note, cómic del que se espera la adaptación norteamericana para este año, dirigida por Adam Wingard (You´re the next, Blair Witch) y protagonizada por Willen Dafoe.

ESCENA CINEFILIA

El  ZQN atleta con la cabeza hundida de tanto golpearse que además tiene bastante importancia en toda la parte final es uno de los personajes de la película que seguro permanecerán en nuestra memoria cinéfila.

Los protagonistas en versión cómic


10 CÓMICS DE TERROR EN CINE

Condenados de ultratumba (1972) Cómic: EC Comics (Tales from the Crypt)

Creepshow (1982) Cómic: George A. Romero-Stephen King, Bernie Wrightson (Creepy)

La cosa del pantano (1982) Cómic: Len Wein, Bernie Wrightson

Mi novia es un zombie (1994) Cómic: Tiziano Sclavi (Dylan Dog)

Vampirella (1996) Cómic: Forrest J. Ackerman

Spawn (1997) Cómic: Todd McFarlane

From Hell (2001) Cómic: Alan Moore y Eddie Campbell

Edición española de Tokyo Zombie, manga de 1999.

Tokyo Zombie (2005) Cómic: Yûsaku Hanakuma

Constantine (2005) Cómic: Varios autores. DC Cómics (Hellblazer). El personaje fue creado por Alan Moore y Stephen J. Bisset en Swamp Thing (La cosa del pantano).

30 días de oscuridad (2007) Cómic: Steve Niles

Añadimos a la lista tres series de éxito en televisión: The Walking Dead, The Outcast y The Strain, basadas también en cómics.


Una película redonda

Escrito por cinefiliacinefilia 09-03-2017 en Estrenos. Comentarios (0)

Yo no soy Madame Bovary (我不是潘金莲/ Wo bu shi Pan Jinlian, 2016) *** CHINA. 128 min.

Con seis meses de retraso, llega la ganadora de la Concha de oro a mejor película en el pasado Festival de San Sebastián. Desde luego se trata de una original cinta del director chino Feng Xiaogang, en activo desde mediados de los 90, con una quincena de películas en su haber. Partiendo ya del formato circular del encuadre, creando la sensación de distancia de un catalejo, que en ocasiones cambia a cuadrado.

Aunque no queda ahí la cosa, el argumento raya lo absurdo, como en ocasiones puede llegarnos a parecer la burocracia y las normas legales, así como quienes las dictan. La historia está basada en una novela propia del guionista, Liu Zhenyun, I did not kill my husband, que bajo el prisma del humor cuenta una dramática historia sobre la ley de sólo poder tener un hijo, que existe en China.

Una joven litiga durante diez años en los juzgados para que al menos escuchen su patética historia. Tras divorciarse de su marido, en teoría para conseguir un apartamento, este se casa con otra mujer. Lo que pide a los jueces es que declaren nulo ese falso divorcio para divorciarse nuevamente por motivos reales.

Fang Bingbing clava un personaje atormentado, con un plan preconcebido de venganza

La criticada explicación final de la protagonista torna la cinta en puro drama y la pantalla se vuelve completa, no siendo más que otra manera de dar una vuelta de tuerca, al igual que con el guión, liberando el celuloide retorcido.

La convincente interpretación de su protagonista femenina Fan Bingbing, le valió en San Sebastián a la cinta un segundo premio, la Concha de plata a mejor actriz. Y desde aquí,  también destacamos la evocadora música del filme de Wei Du.

Como se puede imaginar el cambio de título del original, Yo no soy Pan Jinlian a Yo no soy Madame Bovary es debido a lo desconocido que puede resultar el nombre de una femme fatale de la literatura china del siglo XVII, traducible por Madame Bovary, en Occidente.

SECUENCIA CINEFILIA

Momento en que ocurre nuestra secuencia cinefilia

Aunque la cinta no para de sorprendernos, hay un diálogo que se nos ha quedado grabado tras el visionado de la cinta por sus connotaciones tan obviamente machistas pero que en la película cobran otro sentido. Ella: “¿Sabes que lo que hiciste anoche está mal? Me violaste”. Él: “¿Te gustó?”

CONCHA DE ORO

La Concha de Oro es la mayor distinción que se concede en el Festival de cine de San Sebastián cada año a la mejor película. Aunque también se han entregado dos honoríficas, en 1981 a Luis Buñuel y en 2007 a Carlos Saura.

España y EEUU son los dos países que más veces la han conseguido, la primera en 15 ocasiones y la segunda en 12. Las siguientes son Francia e Italia, seguidas a mucha distancia por México. China es la primera vez que lo consigue con una producción completamente del país, la otra vez fue con la coproducción con Hong Kong, Ciudad de vida y muerte, en 2009.

Magical girl, recibió la Concha de oro y la de plata para su director Carlos Vermut.

En España han destacado los premios a Magical girl (2014), Los lunes al sol (2002), Días contados (1994), Alas de mariposa (1991), Furtivos (1975) o El espíritu de la colmena (1973), así como la argentina Un lugar en el mundo (1992) con José Sacristán. Manuel Gutiérrez Aragón e Imanol Uribe se han llevado la Concha en dos ocasiones.

El rostro impenetrable (1961), América, América (1964), Dos en la carretera (1967), Badlands (1974) o La ley de la calle (1984), son ejemplos de producciones norteamericanas ganadoras, siendo Coppola, con esta cinta, el último autor americano en conseguirla. Aunque el ruso Andréi Konchalovski y el hongkonés Wayne Wang se han llevado la Concha para este país en 1989 y en 2007, por última vez.

En Europa, destacan  las francesas En la casa (2012), No va más (1997) y La rodilla de Clara (1973), de François Ozon, Claude Chabrol y Eric Rohmer, respectivamente.


La saga The Ring (El Círculo)

Escrito por cinefiliacinefilia 09-02-2017 en Horrorfilia. Comentarios (0)

Una sirvienta rompe por accidente un plato de una valiosa vajilla de porcelana de una decena. Su cruel y violento amo monta en cólera por ello. La ata y la golpea y cada día le corta un dedo. Esta, agonizante, logra escapar y se tira a un pozo para ahogarse. Desde ese día, cada noche una voz sale del pozo contando hasta nueve platos y luego se echa a llorar.

Esta leyenda de fantasmas japonesa titulada “La casa del plato en Bansho” dio pié a Koji Suzuki para escribir la novela de terror Ringu, gran éxito editorial en 1991 que cuatro años más tarde fue adaptado al medio televisivo en la película Ringu: Jiko ka! Henshi ka! 4-tsu no inochi wo ubau shôjo no onnen (1995).

Cuatro jóvenes que estuvieron juntos en una casa rural mueren en diferentes partes de Tokio, el tío de uno de ellos, periodista, investigará sus muertes, encontrando una cinta en la cabaña, con un aviso de muerte para sus espectadores.

Terrorífica imagen de Sadako saliendo del televisor, que aparece al final de The Ring (El círculo)

En 1998, dos largometrajes para cine salían a la luz. The Ring (El círculo) y Rasen (Ring: The Spiral), estrenadas el mismo día. La primera, que fue la que tuvo gran éxito, estaba dirigida por Hideo Nakata, que también dirigió su secuela, The Ring 2 (1999). Ambas desarrollaban la historia de la periodista Reiko, que investiga unas misteriosas muertes provocadas por la visión de una cinta de vídeo.

La segunda, Rasen, era una precuela en realidad, tanto del telefilme Ringu (más fiel a la novela) como de The Ring, ya que contaba la historia de Sadako, la joven del pozo que aparece en el vídeo maldito.

Un año después, el mismo en que aparecía la citada secuela, se cuenta con el autor de la novela para una serie de televisión nipona, The Ring: The Final Chapter (1999). Suzuki vuelve al argumento inicial donde el periodista de la novela, Asakawa, investiga la muerte de cuatro chicas que vieron la cinta. Contó con 12 episodios de una hora aproximadamente de duración.

Sadako, en las versiones de Hideo Nakata y Samara, en la secuela americana

Pero no acaba aquí la cosa, en Corea del Sur también ese mismo año se realiza una versión, The Ring Virus (1999). Y nuevamente, se nos vuelve a contar la historia de Sadako en otra precuela japonesa: Ring 0. Birthday (2000), escrita por Suzuki, al igual que Rasen.

Cuando la saga parecía agotada, entra Hollywood en escena adaptando la primera película de cine en The Ring: La señal (2002), realizada por el director de otra saga, la de Piratas del Caribe, Gore Verbinski, en coproducción con Japón y con Naomi Watts al frente del reparto.

Y tres años después, se contrata a Hideo Nakata, autor de las dos primeras cintas japonesas, para dirigir la secuela americana The Ring 2 (La señal 2) (2005), nuevamente con Naomi Watts, acompañada de Sissy Spacek y Emilie VanCamp. Por cierto, añadir que esta última actriz protagoniza también un cortometraje entre medias de una y otra, Señales (Rings, 2005).

Naomi Watts en la versión americana de The Ring 2

A esto hay que añadir la parodia de que es objeto este reutilizado argumento en la tercera parte de la saga cómica de David Zucker, Scary Movie 3 (2003), donde Kevin Smith intervino en el guión y el personaje de Brenda, la chica afro, se encaraba a Sadako a patadas.

A principios de la década parece haberse despertado la chica del pozo, ahora en vídeos de internet, protagonizando tres secuelas: Sadako 3D (2012) y Sadako 3D 2 (2013), ambas de Tsutomu Hanabusa, adaptador de mangas a películas live-action.

Así como Sadako vs. Kayako (2016), cruzando los universos de The Ring y La maldición (The Grudge) de la que su creador Takashi Shimizu llegó a realizar hasta seis largometrajes, incluido el remake norteamericano, siendo este crossover la número 12 de esta otra saga.

La niña del pozo en la última cinta del universo Ringu

Aunque Dreamwoks abandona el proyecto, BenderSpink, su aliada en las dos anteriores versiones americanas insiste con una secuela más distribuida por Paramount, Rings (2017), dirigida por el español F. Javier Gutiérrez, que ya ha sido calificada de innecesaria tras su estreno en EEUU y que ahora llega a España.

De esta manera, se convierte en la undécima película de la saga, sin contar el primer telefilme ni la serie de TV, amén del corto. Incluyendo dos secuelas, dos precuelas, tres remakes y tres spin off.



Mientras tanto en Japón…

Escrito por cinefiliacinefilia 18-01-2017 en Estrenos. Comentarios (0)

Shin Godzilla (シン・ゴジラ/ Shin Gojira, 2016) *** JAPÓN. 120 min.

Desde que en 1954 se estrenara el primer largometraje de esta recurrente bestia de la mitología cinematográfica nipona, Japón bajo el terror del monstruo, se cuentan por decenas las películas sobre esta mezcla de ballena y gorila. Sólo en Japón se pueden encontrar hasta 30, con la próxima versión de animación. Sin embargo, en Shin Godzilla es la primera vez que no se utiliza la técnica tokusatsu, de utilizar a un actor dentro de un disfraz.

La cinta nos muestra la reacción de los altos cargos antes siquiera que al propio monstruo, que en un principio vemos en modo culebra con patas, antes de sus mutaciones para adaptarse a la ciudad. Los protagonistas son los que gestionan qué hacer con el bicho tanto desde Japón, como de EEUU y otras partes del mundo.

Una crisis en toda regla que los ministros que van quedando tendrán que solucionar ante la presión de otras potencias que también pueden verse amenazadas ante los superpoderes invencibles de Godzilla, que está arrasando la capital nipona a un ritmo desenfrenado.

La imagen del Godzilla premutación nos recuerda a una marioneta japonesa de las celebraciones.

Sus directores vienen del mundo del anime. Hideaki Anno, también guionista, es responsable de la saga Evangelion y Shinji Higuchi, que se ha encargado de los live action de Ataque de titanes, interviene también como director de los efectos visuales.

Entretenida y frenéticamente demoledora, la cinta sabe aunar y explicar las diferentes teorías sobre el famoso monstruo, así como poner al día la franquicia.

ESCENA CINEFILIA:

Los errores cometidos por los altos ministros en una situación de crisis hace evidente que los políticos son igual en cualquier sitio.


Terra Formars (テラフォーマーズ, 2016) *** JAPÓN. 113 min.

La base de este último filme del prolífico Takashi Miike  -más de dos películas al año- es un manga de igual título creado en 2011, que posteriormente fue adaptado al anime en dos series de televisión: Terra Formars (2014) y Terraformars Revenge (2016).

En el siglo XXI la humanidad comenzó el proceso de terraformación de Marte enviando musgo y cucarachas para que generaran una atmosfera respirable. Pasados 500 años, una quincena de personas, elegidas entre lo peor de la sociedad, son enviadas para acabar con las cucarachas que han evolucionado hasta convertirse en humanoides de gran fuerza.

El propio autor del manga, Yu Sasuga, se ha encargado del guión. Una excelente película de aventuras en Marte, que aunque tiene poco que ver con las historias de Philip K. Dick, entretiene e incluso recaba en las motivaciones de los personajes para aceptar tal misión, tan asesina como suicida, ya que además sus cuerpos han sido preparados para mutar en diferentes insectos para luchar contra las cucarachas.

La cinta puede que no sea muy recomendable si se tiene fobia a las cucarachas

Imaginativo argumento que no pierde credibilidad en su traslación al live action, aunque las antenitas en la cabeza pueden causar hilaridad, sobretodo en espectadores no asiáticos.

ESCENA CINEFILIA

El descubrimiento de que las cucarachas no son tales es realmente sorpresivo, para quien vaya “virgen” a ver la película, no así si se ha leído el manga o visto el anime.