CINEFILIA

Cine asiático

Haruki Murakami en imágenes

Escrito por cinefiliacinefilia 17-10-2018 en Estrenos. Comentarios (0)

Burning *** (버닝 / Beoning, 2018) COREA DEL SUR. 148 min. Estreno: 19 de octubre.

Un joven escritor un poco retraído, se reencuentra con una chica de su infancia a la que casi no recuerda con la que traba más que amistad. Tras un viaje de la joven a África, durante el cual él ha estado visitando su apartamento para dar de comer al gato, llega acompañada por un chico adinerado que no se sabe muy bien de qué vive, pero que compartirá momentos con ambos y también algún secreto.

El novelista surcoreano, reconvertido en director de cine desde finales de los noventa, Lee Chang-Dong ha adaptado el relato corto del japonés Haruki Murakami “Quemar graneros”, incluido en la colección de cuentos titulada El elefante desaparece. Lo curioso es que haya necesitado dos horas y media para contarnos una narración de no más de trece páginas.

Fuera de su duración, que sí se hace notar, Burning capta el fatalismo y la soledad que desprende la literatura de Murakami, aunque lo que se nos presenta como una historia de amor y amistad vire hacia el final al thriller. Por otro lado, la relación a tres bandas que se establece entre los protagonistas no llega a perfilarse con precisión, pero se intuye.

Yoo Ah-in, Jung Jong-eo y Steven Yeun, el trío protagonista

Resulta de este modo, un filme destacable que la Academia coreana ha elegido para representar a su país en los Oscar y que ganó el premio de la crítica en Cannes, siendo proyectada recientemente en el Festival de Sitges, donde era tan apta como esperada, por su sorprendente final y por la inclusión en el reparto de Steven Yeun, estrella de la serie The Walking Dead.

Tanto la novela como la película suponen un homenaje al escritor estadounidense William Faulkner, a quien el protagonista cita como su autor preferido, y por su puesto a su novela El largo y cálido verano, donde al personaje central (que en cine interpretó Paul Newman) se le acusa de provocar incendios.

ESCENA CINEFILIA

Difícil olvidar el potente final que da una nueva dimensión al título y al propio relato de Murakami.


ADAPTACIONES DE MURAKAMI

Hear the Song of the Wind (1982) Película japonesa que adapta la primera novela de Murakami, que no sigue un hilo narrativo y combina realidad, fantasía y sueños.

Tokio Blues (Norwegian Wood), novela de 1987 que fue llevada al cine en Japón 23 años después

Mori no mukougawa (1988) Al parecer, sólo se estrenó en su país de origen, Japón.

Tony Takitani (2004) Otra cinta nipona sobre un relato del autor que supone un drama psicológico sobre una complicada relación amorosa.

All God's Children Can Dance (2008) De nacionalidad estadounidense, protagonizada por Joan Chen (Twin Peaks) y única película de su desconocido director, hasta hace poco.

Tokio Blues (2010) Una de las novelas más famosas del autor, también conocida como Norwegian Wood, como la canción de los Beatles a que hace referencia. Del director de El olor de la papaya verde y Cyclo, el vietnamita Tran Ahn Hung, fue proyectada en festivales como Toronto y Venecia, sin demasiada repercusión.

Hanalei Bay (2018) Una madre soltera recibe una llamada comunicándole que su hijo ha muerto surfeando en Hawái, tras el ataque de un tiburón. Se estrena en Japón este viernes 19.


Juego de elfos

Escrito por cinefiliacinefilia 10-10-2018 en Estrenos. Comentarios (0)

El reino de los elfos *** (Dragon Nest: Throne of Elves, 2017) CHINA. 104 MIN. Estreno: 11 de octubre.

Secuela de Dragon Nest: Warriors' Dawn (2015), que a su vez se basaba en un video juego multijugador de procedencia coreana, homónimo. Dado que en España no llegó a estrenarse esa primera, su continuación ha sido titulada obviando su procedencia. Esto, unido a que se trata de una película de hace más de un año, no creemos que la ayude mucho en su carrera comercial.

Altera es el reino de los elfos donde se enfrentarán dos hermanas: la princesa Liya y la malvada Elena, desterrada por su lado oscuro, y que ahora posee una gema negra de gran poder con la que pretende conseguir la gema de la vida de Liya y hacerse con el trono. Su argumento no es que sea muy original y aunque entretiene, preferiríamos que durara un poco menos, vamos los 90 minutos de rigor.

Se trata de animación 3D, tan común en videojuegos pero que en cine no suele dar muy buenos resultados. A pesar de ello, tiene espectaculares escenas de acción, principalmente persecuciones y batallas con destellos lumínicos muy bien animadas.

La malvada Elena tratará de gobernar el reino de los elfos

Repite el mismo director de la primera cinta, Yuefeng Song, que comparte créditos con Yi Ge. Sin embargo, en esta ocasión no se ha encargado del guión como si hizo en la anterior.

ESCENA CINEFILIA

No es tan ¡¡¡SPOILER!!! como parece, pero aún así avisamos. El hecho de que muera el  protagonista en una determinada secuencia resulta poco menos que atrevido en una cinta dirigida a todos los públicos.


ANIMACIÓN CHINA

Si la animación japonesa recibe el nombre de anime, en China es conocida como donghua. El nombre proviene del artesano chino Ding Huan, quien al parecer inventó una máquina "en la que se podían ver aves extrañas y misteriosos animales que se movían con naturalidad", en el siglo I A.C.

Los primeros animadores chinos famosos fueron los cuatro hermanos Wan, que en 1926 realizaron el primer cortometraje que mezclaba animación y acción en vivo, Alboroto en el estudio y en 1935, la primera cinta animada sonora, El baile del camello.

Princess Iron Fan es el primer largometraje animado en toda Asia

Hasta que en 1941, consiguieron terminar el primer largometraje de animación en Asia, El abanico de hierro de la princesa, basada en la leyenda del Rey Mono de la importante novela china Viaje al Oeste (1590). Esta cinta tuvo tal repercusión que influyó en parte al maestro del manga Osamu Tezuka.

Los hermanos Wan siguieron trabajando hasta mediados de los sesenta, destacando entre sus producciones La rebelión del rey Kung Fu Sun (aka Havoc in Heaven) que junto a películas como Princesa Pavo Real, tuvieron repercusión en el extranjero.

A finales de los 40, se abrieron nuevos caminos de animación con la cinta de títeres El sueño del emperador y Tortuga atrapada en una jarra. Tras una reunión en Shangai ya en los 50, de los animadores y una posterior selección de películas se definen los estilos artísticos de la animación en China: Estilo nacional y comedia.

Nezha Conquers the Dragon King (1979), basada en una leyenda de la mitología china

Se incluyeron estilos de animación innovadores, con papel o tintas. El nivel de producción casi se igualó al resto del mundo hasta mitad de los sesenta hasta que llegó la Gran Revolución Cultural Proletaria en 1966, donde muchos animadores se vieron obligados a renunciar.

Sin embargo, a finales de los setenta vino la Segunda edad de oro en la animación china, con cintas como Nezha agita el mar, El mono de oro vence al demonio, La leyenda del libro sellado, Tres monjes, La campana del ciervo, durante los ochenta, con mejor calidad.

Después de 1993, el mercado de la animación china se abrió y se vio obligado a competir. El nombre de películas de dibujos animados y títeres, que tuvo antes, pasó a la historia y ahora se llama anime comic.

Have a nice day se pudo ver en el I Festival de animación de Madrid este año

China se convierte en el país de mayor producción de dibujos animados en el mundo en 2011 y hoy en día está reinventándose de manera drástica en la industria de la animación, gracias a la influencia de Hong Kong y Taiwán.

El año pasado, Have a nice day de Liu Jian ha sido comparada con el cine de atracos de Tarantino, en formato animado, proyectándose en importantes festivales, no sólo de animación, como Berlín. Liu Jian también tiene una interesante cinta sobre la venganza, Piercing I (2010). 


Revisitando a Miyazaki

Escrito por cinefiliacinefilia 06-09-2018 en Estrenos. Comentarios (0)

Mary y la flor de la bruja*** (Meari to majo no hana /メアリと魔女の花 , 2017) JAPÓN, 103 min. Estreno: 7 de septiembre.

Por mucho que sepamos que Mary y la flor de la bruja está basada en la novela infantil The Little Bromstick (La pequeña escoba) de la autora gótica Mary Stewart, hay dos películas que claramente se nos vienen a la cabeza viendo esta primera cinta del Studio Ponoc, El viaje de Chihiro y Nicky, la aprendiz de bruja, ambas, como no, del Studio Ghibli donde trabajó su director.

De hecho, Hiromasa Yonebayashi, además de dirigir dos de las últimas cintas del mítico estudio nipón, El recuerdo de Marnie y Arietty y el mundo de los diminutos, ya había trabajado en el departamento de animación de las otras citadas, además de La princesa Mononoke o Ponyo en el acantilado. De esta forma, la cinta que nos ocupa resulta un compendio de todas ellas, a modo de “greatest hits”, definiéndose así el nuevo estudio de animación.

Mary y la flor de la bruja resulta bella e imaginativa y además de entretener, enternece y emociona a partes iguales, pero no podemos calificarla de original, ya que el lastre de todas las películas que toma como referencia es alargado. Sin embargo, recomendamos verla, sin duda y aseguramos que los fans de Hayao Miyazaki la disfrutarán tanto como cualquier otra del creador de Mi vecino Totoro.

El doctor Dee, Mary y Madam Mumblechoock en la escuela de brujería

Además, esta cinta de animación rompe con los tópicos hetero-normativos del cine americano, como también era habitual en las películas Ghibli, siendo la heroína una niña que tiene que salvar al chico, atrapado por una bruja. Por otro lado, podría verse como una versión femenina de Harry Potter, saga que cuenta también con alguna referencia.

ESCENA CINEFILIA

La defensa de la naturaleza, que era el tema central del clásico Mononoke, queda patente en una de las escenas finales, que a modo de “deus-machina” viene a resolver los apuros insalvables de sus protagonistas. Sin embargo, una de mis escenas preferidas de esta película es en la que Mary trata de conseguir la invisibilidad, rodeada de personajes que aluden al fantasma Sin-cara de Chihiro.


PRÓXIMO PROYECTO DEL ESTUDIO PONOC

El nuevo estudio de animación japonés, surgido a la sombra de Ghibli e integrado por muchos de sus trabajadores, fue creado en 2015 por Yoshiaki Nishimura, productor de cintas como El cuento de la princesa Kaguya, que consiguió una nominación al Oscar, injustamente derrotada por Cómo entrenar a tu dragón 2.

Logotipo del Studio Ponoc, que significa "medianoche" en serbocroata

Tras estrenar el verano pasado en Japón Mary y la flor de la bruja, ya cuenta con un nuevo proyecto. Se trata de una antología de tres cortometrajes titulada en inglés Ponoc Short Films Theatre. Modest Heroes, que incluye Kanini & Kanino, Life Ain´t Gonna Lose e Invisible. El primero de ellos, dirigido también por Yonebayashi, se estrenará el 24 de agosto en Japón, de forma independiente.

Al parecer, Modest Heroes iba a contar con un cortometraje dirigido por Isaho Takahata (La tumba de las luciérnagas), pero tras su fallecimiento el pasado 5 de abril, fue cancelado. 


Hong Sang-soo y su cámara

Escrito por cinefiliacinefilia 12-07-2018 en Estrenos. Comentarios (0)

La cámara de Claire *** (Keul-le-eo-ui Ka-me-la, 2017) COREA DEL SUR-FRANCIA. 69 min. Estreno: 13 de julio.

La aparente sencillez en la forma de narrar de Hong Sang-soo se amolda perfectamente con la aparente facilidad en la forma de interpretar de Isabelle Huppert. La actriz, que ya colaboró con el realizador coreano en 2012 (En otro país), aporta con el personaje de Claire un elemento casi mágico al naturalismo propio del autor.

Como una especie de hada buena, Claire viene a consolar a la atribulada Manhee (actriz habitual de Sang-soo, Kim Minhee) que ha sido despedida por su jefa sin darle explicaciones, aclarando la situación tanto al personaje como al espectador, a través de su cámara al igual que el director con la suya.

Su cine es un cine de planos abiertos, sin artificios, de historias cotidianas sobre relaciones personales donde el alcohol y el mundo del celuloide suelen estar muy presentes, con un personaje director, muy a menudo, que puede verse como su alter ego. En este caso, además, la historia se enmarca en el Festival de Cannes, donde fue rodada la película un año antes de ser proyectada.

Los coreanos Kim Minhee (“La doncella”) y Jung Jin-young protagonizan la cinta junto a Isabelle Huppert (foto de encabezado)

La cinta fue pre-estrenada recientemente en el Festival Filmadrid, clausurando la muestra que inauguró otra película de Sang-soo. De todas formas, este autor es tan prolífico que ya tiene otras dos: Grass, proyectada en la Berlinale, con la misma pareja de actores coreanos y Hotel by the River, que se presentará en agosto en el Festival de Locarno, donde el director ha conseguido ya el Leopardo de oro y de plata.

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La escena en que la protagonista es despedida por su jefa (Chang Mihee) que empieza invitándola a un café y acaba diciéndola que no puede trabajar con ella porque piensa que no es honesta, sin más explicación, es ideal para una guía útil del jefe cabrón.


71º EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CINE DE LOCARNO

Precisamente ayer miércoles se daba a conocer la programación de este festival que se celebra en la localidad suiza de Locarno, entre el 1 y el 11 de agosto. Un certamen dedicado al cine de autor que se viene organizando desde 1946.

Infiltrado en el KKKlan, llegará a España a principios de noviembre

Además de la última cinta del laureado Sang-soo, también se exhibirá la película de Spike Lee, Infiltrado en el KKKlan, ganadora del Gran Premio del Jurado en Cannes, así como Blaze, tercera cinta como director de Ethan Hawke sobre la vida de un cantante de country, cuyo protagonista triunfó en Sundance. Hawke además, recibirá el premio Excelencia.

Dentro de la representación española destacan la ópera prima de Xacio Baño, Trote, con María Vázquez y Mudar la piel de Ana Schulz y Cristóbal Fernández. Además se hará una retrospectiva a Leo McCarey, conocido por películas como Sopa de ganso (1933) de los hermanos Marx, Siguiendo mi camino (1944) o las dos versiones de Tú y yo (1939/1957).


Sabor a humano

Escrito por cinefiliacinefilia 13-06-2018 en Cómic. Comentarios (0)

Tokyo Ghoul *** (Tōkyō Gūru / 東京喰種:トーキョーグール , 2017) JAPÓN. 119 min. Estreno: 14 de junio.

No acostumbran a hacer en Japón buenas versiones live action de sus manganimes más reputados, posiblemente porque generalmente son productos de consumo rápido hechos para un público juvenil, que se hacen a toda prisa.

Tampoco dan en el clavo si la película transciende a Hollywood, como son los nefastos casos de Dragonball Evolution (2009) o la más reciente Death Note (2017), aunque otra cosa fue Ghost in the Shell (2017), a pesar de que tampoco triunfara en taquilla.

Por supuesto que hay honrosas excepciones niponas también, como Battle Royal (2000) u Oldboy (2003). Tokyo Ghoul no llega a tanto pero si está al nivel de otras que sin ser excelentes películas, consiguen un equilibrio entre ser fiel a su origen en dibujos y no verse especialmente casposa, al igual que le pasa a Gantz (2011).

Nobuyuki Suzuki es uno de los agentes especiales que se enfrenta a los ghouls

Los ghouls son monstruosas criaturas que se alimentan de carne humana. De aspecto similar al hombre, viven camuflados entre la población. Un tímido estudiante de universidad se convierte en uno de ellos tras ser atacado por la chica que le gusta, que resulta ser uno de estos seres.

Tras su aparición en cómics en 2011, Tokyo Ghoul pasó a serie de animación en 2014 y el año pasado llegaba a la gran pantalla con actores de carne y hueso. Aunque quizás no sea lo más acertado la elección del protagonista, Masataka Kubota, que en ocasiones resulta demasiado pusilánime, a pesar de haber sido Light en una serie de televisión de Death Note y parece un firme candidato a ser Luffy en el proyecto de One Piece.

Su director, el debutante Kentarô Hagiwara, cita El último samurái (2003) con Tom Cruise, el Volumen I del Kill Bill de Tarantino y Distrito 9 (2009) como influencias en su película por ser historias potentes llenas de acción. Así, los combates entre la policía y los ghouls tienen bastante importancia en la trama, consiguiendo momentos impactantes.

ESCENA CINEFILIA

Los ataques de los ghouls a los humanos son de tal violencia, debido a su gran superioridad de fuerza, que hacen pensar en el hombre como alimento, como otros animales pueden serlo para él, apelando su lado animalista que en el anime, por ejemplo, queda más diluido. Además la frase publicitaria en su distribución norteamericana es “Los humanos ya no están en la cima de la cadena alimenticia”.


UN MANGA DE ÉXITO

Imagen de la segunda temporada del anime

El manga, creado e ilustrado por Sui Ishida, empezó a serializarse en la revista seinen (para mayores de 18), Young Jump a partir de septiembre de 2011. Tres años más tarde fue compilado en 14 volúmenes. El Studio Pierrot (creador de Naruto) produjo el anime que empezó a emitirse en el canal Tokyo MX en julio de 2014, al mes siguiente de su compilación.

Tras el gran éxito del primer manga se han comercializado otros dos más: Tokyo Ghoul: re y Tokyo Ghoul: Jack. La secuela del anime no coincide con el cómic y lleva por título Tokyo Ghoul √A. Tras realizar dos OVAs, Tokyo Ghoul Jack y Tokyo Ghoul Pinto en 2015, el Studio Pierrot por fin ha adaptado Tokyo Ghoul:re al anime, siendo emitido desde abril de este año 2018 y que después de un descanso veraniego finalizará en diciembre.

Existen además tres novelas: Hibi, Kohaku y Sekijitsu y dos videojuegos: Carnival y Jail, que sólo están disponibles en Japón.