CINEFILIA

Ciencia ficción

Hipster in love

Escrito por cinefiliacinefilia 05-04-2017 en Estrenos. Comentarios (0)

Creative Control (2015) *** EEUU. 97 min.

Así para entrar a saco, podemos decir que Creative Control es como si mezclamos un capítulo de Black Mirror con un dramedy mumblecore neoyorquino, vamos, como hacer un Black Mirror con Lena Dunham (Girls), por ejemplo.

Como es habitual en este tipo de cine, lo que nos cuenta son relaciones de parejas treintañeras, en este caso, que viven supeditadas al trabajo creativo y quieren exploran nuevos mundos en el sexo. Dado que estamos en un futuro cercano inmerso, como no, en las nuevas tecnologías, será a través de estas con las que se vivirán estas experiencias.

Un creativo informático está desarrollando unas gafas de realidad virtual y ahí tiene sexo con la pareja de su mejor amigo y compañero de trabajo. El problema es que confunde mundo virtual con realidad lo que le creará problemas con su entorno.

Benjamin Dickinson y Alexia Rasmussen viven un amor virtual

Rodada en blanco y negro, característica usada en el cine mumblecore, con algunos toques de color en el personaje de la amante virtual, ¿casi como si nos dijera que lo virtual es más real que la propia realidad?

Segundo largometraje de su director, Benjamin Dickinson, que además de protagonizarla, también es coautor del guión. Como actor ha intervenido en otras cuatro cintas, a parte de su anterior filme que también protagoniza, First Winter, donde un apagón de proporciones apocalípticas enfrenta a un grupo de amigos por la supervivencia.

ESCENA CINEFILIA

Aparte de las escenas de sexo virtual, destacan las de Reggie Watts bailando. Músico y cómico americano que intenta desorientar a su público y que ha protagonizado un telefilme de Netflix (Spatial) también dirigido por Benjamin Dickinson.


EL MUMBLECORE

Tiny Furniture, primer largo comercial de Lena Dunham, antes de la serie Girls

Subgénero del cine indie que surge como una necesidad de reivindicar la verdadera independencia en el séptimo arte, tanto a nivel estético como ético, a raíz del cine visto en el Festival de Sundance, cada vez más popular y por tanto mainstream.

Sus referentes son la Nouvelle Vague, Eric Rohmer o el propio John Cassavetes, considerado el padre del cine indie. Aunque también beben de autores como Woody Allen, Jim Jarmusch o Kevin Smith.

Los principales representantes son Andrew Bujalski (Funny Ha Ha, 2002), Noah Baumbach (Frances Ha, 2012), Lena Dunham (Tiny Furniture, 2010), Lynn Shelton (El amigo de mi hermana, 2011), Mark y Jay Duplass (Cyrus, 2010) o Joe Swanberg (LOL, 2006).

Ryan Gosling en Half Nelson (2006), un profesor guay, adicto a la coca

Actores como Greta Gerwig, Adam Driver o Alex Karpovsky han surgido del mumble y otros como Ryan Gosling, John C. Reilly o Emily Blunt han colaborado en alguna cinta de este tipo, muchas veces por amistad.

El nombre, del que muchos cineastas de este estilo reniegan -al igual que los hipsters reniegan serlo- viene de la palabra “mumble”, balbucear; ya que los personajes mascullan al hablar, al igual que les cuesta expresar claramente sus emociones y deseos.

El género se ha trasladado a televisión en cadenas de pago como HBO o Netflix, con ejemplos como Girls de Lena Dunham, Looking de Andrew Haigh, Togetherness de los hermanos Duplass, LOVE de Judd Apatow o Easy de Joe Swanberg.


La insoportable levedad del cyborg

Escrito por cinefiliacinefilia 31-03-2017 en Cómic. Comentarios (0)


Ghost in the Shell: El alma de la máquina (Ghost in the Shell, 2017) **** EEUU. 120 min.

La adaptación que Hollywood nos propone de Ghost in the Shell es tan válida como cualquiera de los productos asociados a este universo. Tomando elementos de aquí y de allá, nos ofrece las más míticas secuencias de la primera cinta de 1995 y otras que aparecieron en la serie Stand Alone Complex o el segundo filme Innocence, pero en contextos diferentes.

Mantiene respetuosamente los tres pilares en los que reside la franquicia: Conflicto entre cuerpo y mente de la cyborg  protagonista, las aventuras policíacas de la Sección 9, encargada de crímenes informáticos y el toque de erotismo, que donde más reforzado estaba era en el manga de origen.

Por lo tanto, incluye la escena lésbica que el autor del cómic, Masamune Shirow, ha decidido eliminar para su reedición, así como los clubs sexuales de Innocence o las geishas robots, que podíamos ver en el anime Stand Alone Complex.





Las escenas de las geishas y de Kuze pertenecientes a Stand Alone Complex y en la nueva película

Por otro lado, el Titiritero, el hacker informático de la primera cinta de Mamoru Oshii, es cambiado por Kuze, líder populista de unos inmigrantes que protagonizaba los últimos episodios de la segunda temporada de la serie Stand Alone Complex, aunque comparte características del primero.

Con todo, su director Rupert Sanders (Blancanieves y la leyenda del cazador) ha conseguido un producto muy redondo que para los que no se hayan acercado a este universo se lo hace bastante atractivo y casi más cercano que con la primera cinta de Oshii y para los fans, aparte de ofrecer una muy digna versión, encontrar esos recordados momentos sin que revelen el desenlace es de agradecer.

En cuanto al reparto, la en un principio criticada elección de Scarlett Johansson a mi parecer es ideal, al igual que Michael Pitt o la introducción del personaje de Juliette Binoche como la creadora y la presencia oriental de Takeshi Kitano, como el jefe de la brigada, además de otros personajes de apoyo.

Juliette Binoche es la doctora Ouelet, creadora del cyborg que interpreta Johansson

ESCENA CINEFILIA

Posiblemente las secuencias entre Johansson y Binoche, que nos traen a la memoria inevitablemente, las del replicante Roy (Rutger Hauer) y su creador en Blade Runner, sean las más potentes tanto a nivel argumental como de intensidad actoral. Los fallidos intentos de unir ghost y cuerpo robótico tienen mucho que ver con la última cinta de Mateo Gil Proyecto Lázaro, al traer a la vida a los sujetos crionizados.


DEL MANGA A HOLLYWOOD

Del éxito de esta Ghost in the Shell depende por ejemplo la esperada adaptación de Akira, manganime que abrió las puertas del género en Occidente y suponemos que la distribución de Death Note, actualmente en manos de Netflix. Otros cómics japoneses también fueron hechos en EEUU, con desigual fortuna.

Mutronics (1991) Adaptación del manga The Guyver, rebautizado en EEUU en una cinta protagonizada por Mark Hamill, del género sentai, escuadrones de ataque, de la que se realizó una secuela: The Guyver: Dark Hero (1995).

Crying Freeman: Los paraísos perdidos (1995). Coproducción franco canadiense con Japón y EEUU sobre yakuzas y artes marciales que calcaba escenas del manga original.

El incomprendido Oldboy de Spike Lee con Josh Brolin

El puño de la estrella del norte (1995). Thriller fantástico de acción situado en un futuro postapocalíptico con Malcom McDowell (La naranja mecánica) en el reparto.

Speed Racer (2008). Las ahora hermanas Wachowski se encargaron de la adaptación de este manganime sobre carreras de coches conocido en España como Meteoro.

Dragon Ball: Evolution (2009). La obra cumbre de Akira Toriyama era convertida posiblemente en la peor película basada en un manga hecha jamás, no conservando nada del cómic original.

Oldboy (2013) La historia de venganza también adaptada por el coreano Park Chan-wook, con peor fortuna, a pesar de que poca gente parezca estar de acuerdo, la dirigía Spike Lee y contaba con Josh Brolin y Samuel L. Jackson. Despreciada por el postureo, como le puede pasar a GITS, es muy recomendable.

Al filo del mañana (2014) Invasión extraterrestre protagonizada por Tom Cruise que se basaba en la novela japonesa Alll you need is kill que luego se convirtió en cómic.

Kite (2014) Remake del filme de animación Sexo Letal (1998) donde una niña que ejerce la prostitución también es una asesina a sueldo. En España no llegó a conseguir distribución suponemos que por el tema, aunque contó con la presencia de Samuel L. Jackson.


Universo Ghost in the Shell

Escrito por cinefiliacinefilia 28-03-2017 en Cómic. Comentarios (0)

Dado que Paramount Pictures, distribuidora de la versión live action de Ghost in the Shell, ha pedido expresamente a los medios que no se publicara nada sobre este reboot hollywoodiense hasta la noche del jueves previo a su estreno, este viernes 31 de marzo, para calentar motores vamos a ir ubicándola en su universo.

Ghost in the Shell (攻 殻 機 動 隊 /Kōkaku Kidōtai) inicialmente es un manga seinen (para mayores de 16 años) publicado entre mayo de 1989 y noviembre de 1990. En España, se editó bajo el título de Patrulla Especial Ghost, en referencia a la Sección 9 de la policía de seguridad pública, de cuyas acciones trata principalmente su trama.

Con motivo del estreno de la cinta que ahora se estrena, Planeta DeAgostini relanzará el cómic bajo el título The Ghost in the Shell, añadiendo el artículo al título y con dos páginas censuradas, donde aparece un momento lésbico, a petición expresa de su autor, no sin cierta polémica.

Su autor, Masamune Shirow, desarrolla un argumento de ciencia ficción y thriller policíaco, dentro del cyberpunk, al igual que en otras obras suyas como Appleseed o Dominion Tank Police, también llevadas al cine.



Al manga original le siguen otros dos del mismo autor publicados entre los años 1991 y 1997, más una serie posterior de cuatro, escritos por Junichi Fujisaku, que funcionan a modo de precuela: Ghost in the Shell: Arise, que empezó a publicarse en 2013 y aún en activo.

En 1995, Mamoru Oshii (Patlabor, The Sky Crawlers) se encargó de la adaptación cinematográfica en anime, centrándose en los capítulos 9 (Bye, bye, Clay) y 11 (Ghost Coast) del primer manga, convirtiéndose en una obra de referencia del cyberpunk, compartiendo elementos con cintas de este subgénero como Blade Runner.

En ella, los protagonistas centrales del cómic, la Mayor Motoko Kusanagi (cyborg con alma humana) y el agente Batou, con el resto de la Sección 9, se enfrentan a un hacker informático conocido como el Titiritero, que piratea sistemas completos, entidades robóticas e incluso el ghost (o alma) de sus víctimas.

Arakami, el jefe de la sección 9, Kusanagi y Batou en Stand Alone Complex

A esta primera película siguió un anime en formato serie de televisión titulada Stand Alone Complex, de dos temporadas emitidas entre 2002 y 2005 que dio lugar a dos películas y un OVA, que resumían las tramas de la serie en la que Mamoru Oshii, inmerso en la dirección de la segunda película para cine, Innocence, sólo colaboró en el guión. También sigue a la organización de fuerzas especiales Sección 9, al frente de la cual está la mayor Kusanagi.

Ghost in the Shell II: Innocence se estrenó en 2004. Escrita y dirigida por Oshii, no se trata de una secuela o continuación sino que pertenece al mismo universo y en la que se prescinde del personaje de Kusanagi, tomando el protagonismo Batou, que investiga una serie de asesinatos y posteriores suicidios de robots sexuales. Fue presentada en el Festival de Cannes.

Las tramas de la serie Stand Alone Complex se cerraban en el OVA Solid State Society (2006), situando la acción en 2034, dos años después de que Kusanagi abandonara la sección 9, en la que Batou se la reencontrará durante la investigación del hacker aquí llamado el Marionetista.

Kusanagi y Batou, rediseñados en la precuela The Rising

En 2013 se produjeron un conjunto de cuatro OVAs, Ghost in the Shell: Arise, a partir del manga homónimo, que se acabaron remontando en una serie para televisión añadiendo un quinto OVA, emitidos en 10 episodios que daban paso argumentalmente a la película Ghost in the Shell: The Rising (2015) dirigida por Kazuya Nomura. En todas ellas la acción se sitúa en 2027, dos años antes de la primera cinta, donde está todo el equipo de la sección 9, con cambios en el diseño de los personajes.

A esto hay que añadir que en 2008 se hizo una versión remasterizada de la cinta de 1995 bajo el título de Ghost in the Shell 2.0, añadiendo imágenes y elementos CGi (3D), así como un re doblaje adaptando términos coloquiales y la jerga informática a la actualidad y la  remasterización de toda la banda sonora.

Además existen cuatro videojuegos que completan el universo GITS.

INSPIRACIÓN E INFLUENCIAS POSTERIORES

Ghost in the Shell bebe del universo futurista de William Gibson desarrollado en la Trilogía del Sprawl (1984-88), conocida también como Trilogía de Neuromante, del ciberespacio o de la matriz, al que también pertenecen otras historias cortas suyas como Johnny Mnemonic.

Imagen de The Animatrix, que completaba la trilogía de las Wachowski

Sin embargo, sus raíces más profundas, además del propio título, las podemos encontrar en The Ghost in the Machine (1967) de Arthur Koestler, libro de filosofía psicológica cuyo título fue acuñado por el filósofo Gilbert Ryle para describir el relato cartesiano dualista de la relación mente-cuerpo.

Además de influencias estéticas, también hay similitudes argumentales con la película Blade Runner y su origen literario en la novela de Philip K. Dick en la que se basó pero a su vez, la cinta japonesa también influyó en obras posteriores como Inteligencia artificial de Steven Spielberg y sobre todo y como llegaron a reconocer las hermanas Wachowski, en su trilogía The Matrix.


Futuros imperfectos en el cine español

Escrito por cinefiliacinefilia 01-02-2017 en Cine español. Comentarios (0)

 Proyecto Lázaro (Project Lazarus AKA: Re Alive, 2016) *** ESPAÑA. 113 min.

Veinte años después de Abre los ojos, Mateo Gil, co guionista de aquella junto con Alejandro Amenábar, vuelve a reincidir sobre el tema de una manera más realista y a la vez más dramática. Lo que en la cinta de Amenábar era thriller y ciencia-ficción aquí se convierte en una historia de amor en un futuro cercano, más próximo a la serie de TV Black Mirror.

A pesar de la buena reacción de la crítica, el público sin embargo no ha respondido tan bien y si la cinta de 1997 supuso un éxito, llegando a tener un remake americano protagonizado por Tom Cruise, la actual no superaba los 20.000 espectadores, mientras por ejemplo A Contratiempo acumula más de 400.000.

Retrasar su estreno a mediados de enero de este año tampoco ha ayudado a que entrara entre las nominadas a los Goya, lo que sorprendentemente consiguió su director con su anterior película Blackthorne. Sin destino (2011), sin haberla estrenado oficialmente en salas en toda España. Curiosamente Mateo Gil, tiene previsto estrenar en septiembre su próximo largometraje, Las leyes de la termodinámica, una comedia romántica con Miki Esparbé y Hugo Silva.

Tom Hughes y Oona Chaplin viven una complicada historia de amor en Proyecto Lázaro.

Proyecto Lázaro nos cuenta la historia de Marc, un joven al que se le diagnostica un cáncer terminal con una esperanza de un año de vida y decide criogenizar su cuerpo convirtiéndose en el futuro en el primer hombre resucitado, aunque las cosas no serán exactamente como él esperaba.

Este interesante argumento que nos es narrado a través de flashbacks, implica también una historia de amor que tendrá consecuencias en el futuro del protagonista. Un futuro donde no hay feos y la sexualidad está más normalizada pero del que se nos muestra poca cosa.

ESCENA CINEFILIA

Los primeros intentos de resurrección de otros pacientes del proyecto Lázaro son un impacto para Marc cuando los ve en las grabaciones del doctor.


CINE FUTURISTA ESPAÑOL

Antonio Resines dio un giro a su carrera con Acción mutante

La primera cinta futurista española por desgracia no se conserva, se trata de Madrid en el año 2000 (1925), donde la capital es un gran centro de negocios con un gran rÍo navegable. Muchos años después, en 1965, Vicente Aranda situaba la acción de Fata Morgana en un Londres del futuro donde aparecen y desaparecen personas.

Entre los 70 y los 80, el director Juan Piquer Simón, que se puede decir que hizo la primera película de efectos especiales española, realizó sus propias versiones de Superman, Supersonic Man (1979), de E.T., Los nuevos extraterrestres (1983) y de Abyss en La grieta (1989).

Precisamente Mateo Gil junto con Alejandro Amenábar cerraban una buena década para la ciencia ficción española con el filme Abre los ojos (1997). Unos años antes, Acción mutante (1992) de Alex de la Iglesia, en tono más gamberro pero con buena producción de El Deseo, sorprendía con una comedia que incluía naves espaciales, tan poco habituales en el cine español. Ese mismo año se estrenaba Supernova, otra comedia futurista con la cantante Marta Sánchez.

Músicos como Iggy Pop, Johnny Ramone o Marta Sánchez han sido solicitados para este tipo de cine en España.

Con reparto internacional, José María Forqué dirigía en 1994, Nexus 2.431, año en el que una explosión del Sol conducía a los pocos supervivientes de la Tierra al planeta Taron. En 1995, Óscar Aibar adaptaba un cómic propio, dibujado por Miguel Ángel Martín en Atolladero, western post-apocalíptico protagonizado por Iggy Pop.

El siglo XXI se iniciaba con una misión internacional tripulada a Marte en Stranded: Náufragos (2001) protagonizada por su propia directora María Lidón (Luna) junto a María de Medeiros, José Sancho o Johnny Ramone de Los Ramones.

Carlos Atanes ha dirigido cuatro películas del género hasta el momento: FAQ: Frequently Asked Questions (2004) distopía donde la corrección política en su versión más radicalmente feminista se ha impuesto como régimen totalitario en Nueva Europa, Próxima (2007) con Anthony Blake, sobre el contacto con extraterrestres, Maximun Shame (2010), otra distopía en la que el fin del mundo está cerca y Gallino, the Chicken System (2012) filme pornofilosófico con Octavi Pujades y Pablo Puyol.

Antonio Banderas produjo y protagonizó Autómata.

Después de años sin dirigir tras su primera película, la inclasificable Fotos, que ganó el mejor guión en Sitges en 1996, Elio Quiroga estrenaba La hora fría (2006), distopía post nuclear con infectados de por medio protagonizada por Silke.

Nacho Vigalondo trató los viajes en el tiempo en Los cronocrímenes (2007) y  las invasiones extraplanetarias en Extraterrestre (2011). En esta década destacan dos films sobre robots: EVA (2011) de Kike Maíllo y Autómata (2014) con Antonio Banderas.

Las más recientes en llegar han sido: Los últimos días (2013) con Quim Gutiérrez y José Coronado aborda como indica su título el fin del mundo, con guión y dirección de los hermanos Pastor y Sueñan los androides (2014) de Ion de Sosa, sitúa la acción en 2052. Trasunto de la novela de Philip K. Dick que inspiró Blade Runner, salvando las distancias, ya que a la vez es una metáfora de la crisis.


Mientras tanto en Japón…

Escrito por cinefiliacinefilia 18-01-2017 en Estrenos. Comentarios (0)

Shin Godzilla (シン・ゴジラ/ Shin Gojira, 2016) *** JAPÓN. 120 min.

Desde que en 1954 se estrenara el primer largometraje de esta recurrente bestia de la mitología cinematográfica nipona, Japón bajo el terror del monstruo, se cuentan por decenas las películas sobre esta mezcla de ballena y gorila. Sólo en Japón se pueden encontrar hasta 30, con la próxima versión de animación. Sin embargo, en Shin Godzilla es la primera vez que no se utiliza la técnica tokusatsu, de utilizar a un actor dentro de un disfraz.

La cinta nos muestra la reacción de los altos cargos antes siquiera que al propio monstruo, que en un principio vemos en modo culebra con patas, antes de sus mutaciones para adaptarse a la ciudad. Los protagonistas son los que gestionan qué hacer con el bicho tanto desde Japón, como de EEUU y otras partes del mundo.

Una crisis en toda regla que los ministros que van quedando tendrán que solucionar ante la presión de otras potencias que también pueden verse amenazadas ante los superpoderes invencibles de Godzilla, que está arrasando la capital nipona a un ritmo desenfrenado.

La imagen del Godzilla premutación nos recuerda a una marioneta japonesa de las celebraciones.

Sus directores vienen del mundo del anime. Hideaki Anno, también guionista, es responsable de la saga Evangelion y Shinji Higuchi, que se ha encargado de los live action de Ataque de titanes, interviene también como director de los efectos visuales.

Entretenida y frenéticamente demoledora, la cinta sabe aunar y explicar las diferentes teorías sobre el famoso monstruo, así como poner al día la franquicia.

ESCENA CINEFILIA:

Los errores cometidos por los altos ministros en una situación de crisis hace evidente que los políticos son igual en cualquier sitio.


Terra Formars (テラフォーマーズ, 2016) *** JAPÓN. 113 min.

La base de este último filme del prolífico Takashi Miike  -más de dos películas al año- es un manga de igual título creado en 2011, que posteriormente fue adaptado al anime en dos series de televisión: Terra Formars (2014) y Terraformars Revenge (2016).

En el siglo XXI la humanidad comenzó el proceso de terraformación de Marte enviando musgo y cucarachas para que generaran una atmosfera respirable. Pasados 500 años, una quincena de personas, elegidas entre lo peor de la sociedad, son enviadas para acabar con las cucarachas que han evolucionado hasta convertirse en humanoides de gran fuerza.

El propio autor del manga, Yu Sasuga, se ha encargado del guión. Una excelente película de aventuras en Marte, que aunque tiene poco que ver con las historias de Philip K. Dick, entretiene e incluso recaba en las motivaciones de los personajes para aceptar tal misión, tan asesina como suicida, ya que además sus cuerpos han sido preparados para mutar en diferentes insectos para luchar contra las cucarachas.

La cinta puede que no sea muy recomendable si se tiene fobia a las cucarachas

Imaginativo argumento que no pierde credibilidad en su traslación al live action, aunque las antenitas en la cabeza pueden causar hilaridad, sobretodo en espectadores no asiáticos.

ESCENA CINEFILIA

El descubrimiento de que las cucarachas no son tales es realmente sorpresivo, para quien vaya “virgen” a ver la película, no así si se ha leído el manga o visto el anime.