CINEFILIA

Revista de cine

Miguel Albertos

Manual del trepa por Yorgos Lanthimos

Escrito por cinefiliacinefilia 18-01-2019 en Estrenos. Comentarios (0)

La favorita **** (The Favourite, 2018) R. UNIDO-IRL.-EEUU. 121 min. Estreno: 18 de enero.

Resulta bastante descorazonador pensar que una decisión política pueda estar tomada por un ataque de celos, como ocurre en una secuencia de La favorita, la nueva película de Yorgos Lanthimos, otra vez una producción inglesa, situada en la corte de la Reina Anne de Gran Bretaña a principios del siglo XVIII, en la que el director griego no interviene en el guión.

Tampoco ha contado con Efthymis Filippou, su coguionista habitual. Sin embargo, la cinta sigue despidiendo esa misantropía que suelen reflejar sus personajes. En este caso, personajes femeninos reales que pululaban alrededor de la soberana, intentando ganarse su confianza, con de todo tipo favores, sí, incluso sexuales.

El guión de la historiadora Deborah Davis surge cuando esta se entera de la relación entre la Reina Ana Estuardo y su dama de honor, la duquesa de Marlborough y de cómo se fue deteriorando cuando entra en escena la prima de esta, Abigail. Una historia de mujeres empoderadas que se convierte en el manual ideal del trepa, en sus más altos niveles. Cómo ascender desde el puesto más inmundo al más valorado en la corte, del barro a la cama real, en ocho pasos.

Rachel Weisz y Olivia Colman mantienen una íntima relación en la corte

Olivia Colman, que interpreta a la Reina, ya ha sido reconocida por su poderosa interpretación en el Festival de Venecia y en los Globos de Oro. A la misma altura están Rachel Weisz, que como Colman ya trabajó con el director en Langosta y Emma Stone, como sus damas de honor. Nicholas Hoult (Rebelde entre el centeno) y Joe Alwyn (Billy Lynn) completan el reparto.

Aunque pueda parecer una película de encargo, Yorgos Lanthimos ha aportado una nueva dimensión a la ya de por sí interesante historia (en la que también ha colaborado el guionista Tony McNamara) con travellings propios de Stanley Kubrick o la visión distorsionada por  grandes angulares con efecto de ojo de pez que crean una imagen perturbadora en esta cinta que habla de traición, dominación y el saber depositar la confianza en la persona adecuada, en la que el director de Canino vuelve a mostrar lo peor del ser humano.

SECUENCIA CINEFILIA

La entrada de Emma Stone, manchada de barro e imitando a un monstruo, cuando tras pedirle trabajo a su prima Rachel Weisz, ésta le dice que puede hacer de monstruo para los niños. Por otro lado, la escena en que los cortesanos lanzan naranjas contra un bufón desnudo por diversión, tiene todo el sello Lanthimos.

Emma Stone resulta ser un verdadero monstruo

10 CURIOSIDADES

1.  La banda sonora incluye temas de Bach, Vivaldi y Elton John, que interpreta la canción “Skyline Pigeon”, perteneciente su álbum de debut en 1969.

2.  El personaje que interpreta Rachel Weisz, Lady Sarah Churchill, es un antepasado de Winston Churchill y de Lady Diana Spencer.

3.  Yorgos Lanthimos se inspiró en películas como El incinerador de cadáveres (1969), comedia negra checoslovaca, considerada de culto que triunfó en Sitges; Gritos y susurros (1972), drama familiar de Ingmar Bergman sobre tres hermanas; La posesión (1981), película franco alemana de Andrej Zulawski, drama de terror psicológico con Isabelle Adjani y Sam Neill; El contrato del dibujante (1982) intriga de época (siglo XVII) de Peter Greenaway y el biopic de Mozart, Amadeus (1984) de Milos Forman.

4.  Rachel Weisz ha dicho que la película es como Eva al desnudo (1950), pero más graciosa y condicionada por el sexo.

Ann Baxter y Bette Davis en "Eva al desnudo"

5.  Los tres personajes principales vomitan por lo menos una vez durante la película.

6.  Kate Winslet iba a interpretar el papel de Rachel Weisz, aunque finalmente fue sustituida, muy posiblemente por incompatibilidades con el rodaje de la secuela de Avatar.

7.  Al igual que Barry Lyndon (1975) de Stanley Kubrick, la cinta está rodada en su mayor parte utilizando luz exterior natural y velas o el fuego de la chimenea en interiores.

8.  Según la historia de Inglaterra, a diferencia de cómo se cuenta en la película, la Reina terminó su amistad con Lady Marlborough por haberse demostrado que esta era una  intrigante, prefiriendo la compañía de la más respetable Abigail Masham.

9.  La repetida frase “Rub my legs” (Frótame las piernas) va adquiriendo cada vez más perversos significados en la trama de la película.

10.  Los diecinueve conejos que la Reina tiene como mascotas representan al mismo número de hijos que tuvo, de los cuales sólo uno sobrevivió más allá de los dos años.


Remix de cine apocalíptico bien desarrollado

Escrito por cinefiliacinefilia 16-01-2019 en Horrorfilia. Comentarios (0)

A ciegas **** (Bird Box, 2018) EEUU. 124 min. Estreno Netflix: 21 de diciembre, 2018.

Sin causa aparente, los casos de personas que se suicidan en masa empiezan a propagarse por todo el mundo de una manera descontrolada. Un grupo de personas supervivientes se encierran en una casa tapando sus ventanas, al darse cuenta de que lo que provoca esta reacción es algo que la gente ve en la calle y que no traspasa las puertas.

Lo cierto es que Bird Box (independientemente del ruido generado en la red por el reto viral de hacer cosas con los ojos vendados) está basada en una novela de 2014 de Josh Malerman, quién asegura que ya tenía un borrador escrito de la misma antes de El incidente (2008) de M. Night Shyamalan, con la que coincide en la propuesta argumental.

Aunque a mí particularmente, me ha recordado más a Un lugar tranquilo (2018) de John Krasinski, mientras que en esta no podían hablar o hacer ruido, aquí no pueden ver. En cualquier caso, la cinta también está relacionada con películas como Llega la noche (2017), The Road (2009) o cualquier otra que trate de la supervivencia en un mundo apocalíptico.

Sandra Bullock y Trevante Rhodes, delante y Rosa Salazar y John Malkovich, atrás.

Lo que importa es que la producción de Netflix, que ha dirigido la danesa Susanne Bier (Oscar por Un mundo mejor a cinta extranjera), se trata de un film de los que te mantiene en vilo durante la totalidad de su metraje, implicándote con los personajes al cien por cien, con una narración a base de flashbacks explicativos muy poderosa. De hecho, el guión es de Eric Heisserer, autor de las espléndidas La llegada o Extinción.

Se le pueden buscar significados metafóricos (la extrema derecha que nos invade) o alabar la propuesta inclusiva a determinada diversidad funcional, pero lo verdaderamente valoramos es que nos haga sentir y disfrutar, que es el principal objetivo de cualquier obra artística.

Si a esto, sumamos un reparto granado de grandes nombres que te ayudan en ese viaje, mejor que mejor y tanto Sandra Bullock como John Malkovich, además de Trevante Rhodes (Moonlight), Sarah Paulson o Jacki Weaver, desde luego lo consiguen.

ESCENA CINEFILIA

Los siniestros dibujos que saca el inquietante personaje último en entrar en la casa, tienen un doble aporte. Por un lado hace dudar del propio personaje y por otro da una idea al espectador de lo que ven las personas afectadas, resultando más tenebrosos que unas criaturas de grandes efectos especiales. De hecho, se llegó a rodar una escena con un hombre verde con cara de bebé, a petición de los productores, que fue eliminada por resultar cómica.


LAS COINCIDENCIAS ARGUMENTALES CON OTRAS PELÍCULAS APOCALíPTICAS

(ALERTA DE POSIBLES SPOILERS)

En The Road, los protagonistas son llamados Hombre y Chico, aquí a los niños se les nombra Chico y Chica, de igual manera, aunque al final se explica porqué.

Suicidios en masa de la película “El incidente”

Al igual que en Un lugar tranquilo, una incapacidad física convierte en supervivientes a personas que en la sociedad actual pueden tener problemas de adaptación por ser una minoría.

Aunque el motivo sea otro, los personajes tienen que estar encerrados para sobrevivir como en Llega la noche, suponiendo siempre un grave peligro salir bien sea con máscaras de oxigeno o con los ojos tapados como aquí.

El hecho de que los personajes se vean avocados  a suicidarse nos lleva directamente al argumento de El incidente, por mucho que el autor de la novela diga que ya lo tenía escrito en un borrador.

Uno de los personajes hace referencia a El corredor del laberinto (2014), diciendo que su situación no es como la de unos chicos corriendo alrededor de un laberinto. En esta película también interviene Rosa Salazar, cuyo personaje aquí curiosamente sale corriendo.


¿Sólo se puede premiar al cine social e inclusivo?

Escrito por cinefiliacinefilia 14-01-2019 en Cine español. Comentarios (0)

Nominaciones muy inclusivas en los Goya 2019

Tras ganar el pasado sábado en los Premios Forqué los relativos a mejor película y el premio de educación en valores, Campeones parte como favorita en la carrera de los Goya con sus once nominaciones, frente a las trece de El reino. Por su parte, Carmen y Lola, acapara ocho candidaturas, de las principales, completando el quinteto de nominadas a mejor película Entre dos aguas (Concha de oro en San Sebastián) y Todos lo saben.

Campeones ** (2018) ESPAÑA. 124 min. Estreno: 6 de abril de 2018.

Creo que el tema de la inclusión se nos está yendo un poco de las manos. Por loable que resulte la integración en el cine de personas pertenecientes a cualquier “minoría desfavorecida”, esto no hace que automáticamente sea una buena película. Mientras que Yo, también (2009), protagonizada por un actor con síndrome de Down, sí que conseguía emocionar e interesar, además de respetar al colectivo, no ocurre lo mismo con Campeones.

De hecho, nos parece algo peor que una broma por parte de la Academia Española que hayan enviado a Hollywood este producto de tan mediocre, apelando a las conciencias del Comité de selección, trampa en la que no han caído tan fácilmente como nuestros académicos que le han otorgado alegremente hasta once nominaciones. La mayoría, inmerecidas.

La cinta tira de clichés en todo momento, llegando a la manipulación emocional con descaro y a pesar de que el guión subraye frases hechas como que “la gente con diversidad funcional también son personas” (algo tan obvio como ofensivo), Javier Fesser los presenta como una pandilla de freaks con más o menos gracia, que parecen sacados de películas suyas con más fortuna como El milagro de P. Tinto o La gran aventura de Mortadelo y Filemón.

Lo mejor de la película, sin duda, son los actores no profesionales que bordan sus actuaciones

Es cierto que tiene un comienzo prometedor donde parece que se va a dar rienda suelta a la incorrección política, tan necesaria a día de hoy y más en la comedia, sin embargo cae en la complacencia excesiva, no sólo en el tema de la incapacidad intelectual, sino con el de la paternidad no deseada del protagonista.

Javier Gutiérrez repite el papel de indeseable, en el que está acomodándose y nunca habíamos visto tan fuera de tono a Luis Bermejo, con ese acento andaluz imposible, suponemos que por ¿aportar humor? El equipo de “campeones” podríamos decir que cumple y, dado que no son profesionales, con creces.  

NO-ESCENA CINEFILIA

La secuencia con la policía podría haber dado mucho de sí, así como la del juicio rápido, que se quedan en aportes mínimos de lo que podría haber sido una gran comedia sin la edulcoración propia de un producto familiar de EEUU, país donde encima les han pretendido “vender la moto”.

CARMEN Y LOLA *** (2018) ESPAÑA. 103 minutos. Estreno: 7 de septiembre de 2018.

Si eres una directora novel, como Arantxa Echevarría, que tras varios cortometrajes, incluyendo uno para una película de terror de diferentes autoras en Norteamérica, se le ponía difícil lo del largo, lo mejor para llegar al gran público parece ser realizar una película inclusiva.

Tratar temas sociales y cuantos más mejor. Carmen y Lola, habla de dos, sino de tres (bien hecho). Así la historia de una adolescente lesbiana y gitana que se enamora de otra chica de su entorno prometida con su primo, cumple todos los requisitos. El tercero sería el tema de la mujer, de especial sensibilidad este año.

El problema es que ideado el plan para conseguir hacer el largometraje, no hay mucho más que aporte a la trama. No arriesga demasiado y aunque sí que entramos en la propuesta y conectamos con el film, no llegamos a emocionarnos, a diferencia por ejemplo de la mucho más compleja en matices película LGTB del año, Call me by your name, también sobre un amor de adolescencia, pero que no se queda en la superficie.

Rosy Rodríguez y Zaira Moreno, las protagonistas de “Carmen y Lola”

Es como si nos dejara a medias o no pasase de la propuesta pensada, bien por tratarse de un tema conflictivo en la comunidad gitana, donde asociaciones feministas la tacharon de “racista y caricatura comercial” sólo viendo el tráiler, o porque no tiene nada más que contar.

Como en la cinta de Javier Fesser, ha preferido utilizar actores no profesionales y se nota que la debutante directora se ha focalizado en la pareja protagonista,  Zaira Moreno y Rosy Rodríguez, ambas nominadas a actriz revelación en los Goya, que sí cumplen con las expectativas. Sin embargo, Moreno Borja (el padre de Lola) que sorprendentemente también ha sido nominado, nos ofrece una interpretación muy sobreactuada y nada sentida.

PREMIOS FORQUÉ

Ya hemos avanzado que Campeones fue la vencedora (mejor película y premio educación en valores) ganando en dos apartados de los tres en que estaba nominada. Recordemos que los premios Forqué sólo entrega nueve galardones: largometraje, interpretación masculina y femenina, documental, cortometraje, película iberoamericana, premio de educación en valores y el premio honorífico.

Najwa Nimri y Eva Llorach en una escena de “¿Quién te cantará?” de Carlos Vermut

La actriz vencedora fue Eva Llorach por Quién te cantará, quizás la única sorpresa de la noche frente a nominadas más conocidas como Penélope Cruz, Bárbara Lennie o Alexandra Jiménez. Antonio de la Torre fue la elección como mejor actor por El reino, repitiendo los mismos compañeros de nominación que en los Goya: Coronado, Gutiérrez y Bardem.

En cuanto al resto de películas, Roma de Alfonso Cuarón, ganó en el apartado de cinta iberoamericana, El silencio de los otros, que da voz a las víctimas franquistas y está coproducida por El Deseo, como documental y Cerdita, de la directora Carlota Martínez Pereda, sobre una adolescente con problemas de sobrepeso, como cortometraje.

Finalmente, el productor José Frade, que comenzó su carrera en 1965, siguiendo en activo y que ha llegado a escribir también guiones, recibió el premio de honor a toda su carrera. Responsable de éxitos del cine español como La tonta del bote, No desearás al vecino del quinto, La trastienda o La guerra de papá, sólo por citar algunas.

Una reflexión para acabar. Nos gustaría que las nominaciones a todos los premios, sean Oscar, Globos, Goyas o Forqués, se dieran el mismo día, ya que nos parece muy sospechoso que calquen de tal manera las candidaturas, habiendo dejado fuera de las categorías principales o totalmente, en el caso español, cintas tan interesantes como Tu hijo, Quien te cantará, Petra o Cuando los ángeles duermen, quizás solo porque no han apostado por tocar temas sociales o no ser los adecuados.

Confiemos en los Premios Feroz que se entregan este sábado 19, que aunque también tienen nominaciones muy similares, sí han incluido alguna de estas películas. También es cierto que entre las dos categorías de drama y comedia han seleccionado hasta once largometrajes.


Aroma a cine clásico

Escrito por cinefiliacinefilia 08-01-2019 en Estrenos. Comentarios (0)

Premios Goya: Nominada a mejor película europea. Precisamente por ese motivo, se proyecta hoy 8 de enero a las 19h. en la sede de la Academia de cine en c/ Zurbano, 3.

Cold War *** (Zimna wojna, 2018) POLONIA. 88 min. Estreno: 5 de octubre de 2018.

Hace como dos años, hacíamos una relación de casi una treintena de títulos monocromáticos destacados de este siglo, donde a pesar de reinar la dictadura del color, de vez en cuando surgen rebeldes como Pawel Pawlikowski, que dado lo bien que le fue con su anterior película, Ida (Oscar a la mejor película de habla no inglesa de 2013), repite con la opción fotográfica del blanco y negro.

Cold War retoma las temáticas propuestas por Damien Chazelle en La La Land de música y desamor, pero en condiciones diametralmente opuestas, situando durante la guerra fría en Europa a una pareja de amantes, músico él y cantante ella, cuya historia no cuaja, aunque cada vez que se encuentran sienten la necesidad de estar juntos e incluso surgen sentimientos como los celos.

Sin embargo, a pesar de que hay mucha música en la película, no se trata de un film musical o al menos como solemos entender el género desde la perspectiva norteamericana, pero sí que hay números musicales. Desde la música popular de la Polonia soviética con que arranca la cinta, pasando por los coros y danzas polacos hasta llegar a los ambientes jazzísticos de París, en una banda sonora que incluyen piezas de Cole Porter, George Gershwin, Bach o Chopin.

La degradación de los amantes es palpable a medida que transcurre su turbulenta historia

Se trata de un filme con ese encanto cinéfilo, que incluso puede evocar a clásicos como Casablanca, que también gozaba del aroma musical del piano de Sam y del rencuentro de unos amantes cuya historia de amor quedaba truncada por la situación política.

Joanna Kulig desprende ese intenso atractivo del que es preso su partenaire Tomasz Kot, que deambula entre el músico atormentado y el perdedor enamorado. Ella, ya había trabajado en las dos anteriores películas del director polaco e incluso ha sido tentada por Hollywood, interviniendo en un pequeño papel de Hansel y Gretel: Cazadores de brujas (2013).

La cinta ha sido la triunfadora en los Premios del cine europeo, recientemente. Ya fue reconocida la labor de Pawlikowski como mejor director en Cannes, tiene el apoyo incondicional de la crítica y se postula como ganadora a película extranjera en los Oscar, siempre que consiga la nominación, aun pendiente, y no sea derrotada por Roma de Alfonso Cuarón, otra cinta en blanco y negro que como esta, está basada en los padres del director.


PAWEL PAWLIKOWSKI, UN POLACO EN INGLATERRA

Aunque nació en Varsovia, Pawlikowski ha vivido y trabajado la mayor parte de su vida en Reino Unido. Empezó dirigiendo documentales en los años noventa y a finales de siglo, se lanza al cine de ficción.

Mi verano de amor supone el segundo largometraje en la carrera de de Emily Blunt

The Stringer (1998), su primer largometraje, historia de amor en el mundo periodístico coproducida entre la BBC y una productora rusa, pasó más desapercibida. Sin embargo a partir de su siguiente cinta, Last Resort (2000), drama sobre la inmigración en Inglaterra, consigue reconocimiento en los BAFTA, los premios de cine europeo y festivales como Gijón.

Mi verano de amor (2004), drama romántico entre dos chicas adolescentes, con Emily Blunt (la nueva Mary Poppins), es elegido como mejor film británico en los BAFTA. El  siguiente proyecto del director queda sin terminar debido a la grave enfermedad de su esposa y no es hasta 2011, que dirige el thriller con producción francesa, La mujer del quinto con Ethan Hawke y Kristin Scott Thomas.

Aunque sus anteriores films también hayan sido reconocidos, los mejores logros de la carrera de Pawlikowski los ha conseguido con sus dos cintas de producción polaca, Ida y Cold War


La novia de mi fan

Escrito por cinefiliacinefilia 04-01-2019 en Estrenos. Comentarios (0)

Juliet, desnuda (Juliet, Naked, 2018) EEUU. 105 min. Estreno: 4 de enero.

¿Quién no se ha imaginado alguna vez tirarse a una celebridad a la que nuestra pareja admira y de la que no para de hablarnos? Pues al escritor británico Nick Hornby (Alta fidelidad) le ha dado para escribir una novela y todo, que ahora Hollywood ha adaptado en el formato de comedia romántica.

La pareja de un freaky absoluto de un músico independiente retirado ya, recibirá inesperadamente un mensaje de este último tras publicar un comentario en un blog que su novio tiene dedicado al cantante. Poco a poco se harán amigos a través del correo.

Ella es Rose Byrne, que podemos recordar por Malditos vecinos o Insidious y el novio bloguero Chris O´Dowd, personaje recurrente en Girls, mientras que el objeto de la obsesión de este es un Ethan Hawke un tanto envejecido, quien canta las canciones que se oyen en la película, él mismo. 

Rose Byrne y Chris O´Dowd son una pareja no muy bien avenida

Una historia sencilla y algo previsible que se deja ver con gracia y que nos habla del mundo de la pareja en edades adultas. El hecho de ocurrir en una pequeña localidad inglesa, que vive con indiferencia la llegada de la ex estrella de rock americana, nos la hace más cercana al público europeo.

Su director, Jesse Peretz, que comenzó haciendo videoclips para Lemonheads y sobre todo para Foo Fighters, pasó al mundo del cine pero se ancló más a la televisión, dirigiendo por ejemplo bastantes capítulos de Girls. De hecho, Juliet, desnuda también es de la productora de Judd Apatow, como la serie de Lena Dunham.

ESCENA CINEFILIA

Cuando la estrella de rock descubre la habitación dedicada a él por completo, genera posiblemente uno de los momentos de mayor confusión y comicidad.


PROLÍFICO ETHAN HAWKE

River Phoenix junto a Ethan Hawke, casi irreconocibles, en Exploradores

Nacido en Texas hace poco más de 48 años, Ethan Hawke es sobrino bisnieto del autor teatral Tennessee Williams. El actor también ha destacado en este medio, haciendo obras de Shakespeare, de Chéjov o del propio Williams, llegando a ser nominado a un Tony, además, ha llegado a escribir novelas y a dirigir películas.

Debutó como actor en cine a los 14 años con Exploradores (1985), pero la mayoría de la gente lo descubrió en El club de los poetas muertos (1989).

En los noventa, pudimos verle en ¡Viven! (1993), la película generacional Reality Bites (1994), Antes del amanecer (1995), la primera de la trilogía de Richard Linklater, Gattaca (1997), donde conoció a su esposa durante seis años, Uma Thurman, con la que ha tenido dos hijos o Grandes esperanzas (1998) de Alfonso Cuarón.

La primera década de este siglo, Hawke comienza con una actualización de Hamlet dentro del cine independiente y su primera nominación al Oscar por Training Day (2001). También debuta como director con Chelsea Walls (2001), que interpreta su mujer Uma Thurman, pero que fracasa entre el público y la crítica.

Ethan Hawke interpretó a un vampiro en Daybreakers

Sin embargo, no se desanima y en 2006, el actor dirige The Hottest State, basada en una novela propia. Un año antes había conseguido una nominación al Oscar como guionista por Antes del atardecer (2004) junto a Julie Delpy y Richard Linklater, director con el que interviene en otros tres proyectos durante esta década, que termina con la distopía vampírica Daybreakers (2009) de los hermanos Spierig y la miniserie Moby Dick (2010) para televisión.

En 2011, trabaja con el director polaco, ahora de moda, Pawel Pawlikowski, en el thriller La mujer del quinto y parece encajar en el género de terror en los filmes, Sinister (2012) y The Purge: la noche de las bestias (2013). Vuelve a conseguir otra nominación al Oscar por el guión de Antes del anochecer (2013), que cierra la trilogía de Linklater y al año siguiente como actor de reparto por la aclamada Boyhood, del mismo autor.

Sus trabajos se agolpan de manera muy prolífica y en todo tipo de géneros. En 2015 interpreta al trompetista Chet Baker en Born to Be Blue, la comedia romántica Maggie´s Plan o el thriller Regresión de Alejandro Amenábar. En 2016, protagoniza los westerns El valle de la venganza de Ti West y el remake de Los 7 magníficos, así como el drama intimista Maudie.

Caracterizado de Chet Baker en Born to be blue

Entre sus últimos trabajos destacan su intervención en la adaptación del cómic de ciencia-ficción Valerian y la ciudad de los mil planetas de Luc Besson y Reverendo de Paul Schrader, papel este último por el que ya ha conseguido premios y numerosas nominaciones.

Tras dirigir su tercer largometraje, Blaze (2018), premiado en Sundance, este año 2019 se espera con impaciencia La vérité, donde le ha dirigido el prestigioso director coreano Kore-Eda junto a Catherine Deneuve y Juliette Binoche.